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Suspicion - The Alfred Hitchcock Hour Saison 1 1. A Piece of the Action – Inédit en France 2. Chez les fous (Don't Look Behind You) 3. Le Chantage (Night of the Owl) 4. J’ai tout vu (I Saw the Whole Thing) 5. Le Traquenard (Captive Audience) 6. Final Vow – Inédit en France 7. Annabelle (Annabel) – Inédit en France 8. Le Sauveteur (House Guest) – Inédit en France 9. The Black Curtain – Inédit en France 10. L’autre homme (Day of Reckoning) 11. Ride the Nightmare – Inédit en France 12. Hangover – Inédit en France 13. Bonfire – Inédit en France 14. The Tender Poisoner – Inédit en France 15. Le 31 février (The Thirty-First of February) 16. What Really Happened – Inédit en France 17. Brouillard (Forecast: Low Clouds and Coastal Fog) 20. The Paragon – Inédit en France 21. I'll Be Judge - I'll Be Jury – Inédit en France 22. Diagnosis: Danger – Inédit en France 23. The Lonely Hours – Inédit en France 25. Long Silence (The Long Silence) 27. Death and the Joyful Woman – Inédit en France 28. Last Seen Wearing Blue Jeans – Inédit en France 29. The Dark Pool – Inédit en France 30. Dear Uncle George – Inédit en France 1. A PIECE OF THE ACTION
Date de diffusion : 20 septembre 1962 Auteur : Alfred Hayes, d’après une histoire originale d’Oliver H.P. Garrett Réalisateur : Bernard Girard Duke, homme d’affaires prospère et heureux en ménage, est également un joueur invétéré de poker. Son addiction finit par menacer son mariage. Il décide d’arrêter, d’autant que son rival, le gangster Ed, se montre agressif. C’est alors que Chuck, le jeune frère de Duke, s’avère lui aussi atteint par la passion du poker, au péril de sa carrière d’avocat. Duke va imaginer un complot afin d’empêcher Chuck d’aller plus loin, le faire plumer par Ed, mais les conséquences vont s’en avérer inattendues. L’anthologie débute par un épisode mineur. Le récit souffre en effet dès le départ d’une volonté trop manifeste de mettre en garde contre la passion du jeu, une intention certes louable, mais rendant vraiment le scénario trop démonstratif. Une semblable mésaventure était également survenue à The Twilight Zone, avec The Fever (saison 1), au résultat équivalent. Mais le recours à un Fantastique sensationnaliste se voit ici remplacé par une chronique familiale passablement mélodramatique. Les événements se montrent très prévisibles, jusqu’à un final sombrant dans le larmoyant. Par ailleurs on ne croit absolument pas à l’idée selon laquelle Duck, afin de stopper le parcours dangereux entrepris par son frère, précipiterait ce dernier dans les bras d’un dangereux gangster. D’autant plus qu’il sait qu’Ed a déjà tué des partenaires du jeu. Tout ceci demeure forcé, d’autant que l’intrigue n’explique jamais vraiment pourquoi Duck ne révèle pas la vérité à son frère sur sa propre addiction et ses conséquences néfastes. Le spectateur doit aussi subir d’interminables scènes de poker, aux rebondissements visibles à des kilomètres. Au moins s’agit-il du poker classique, peut davantage suivre que durant Casino Royale. On appréciera une réalisation élégante et offrant quelques intéressantes perspectives sur le Californian Way of Life aisé du début des Sixties. Par ailleurs, si Robert Redford n’a guère matière à exprimer son talent, la distribution se montre de qualité, avec un Gene Evans parfaitement à son affaire dans le rôle du pittoresque et brutal Ed. l’ensemble se voit dominé par la très convaincante prestation de Gig Young, acteur talentueux qui apporte autant à l’opus que lors du Walking Distance de The Twilight Zone. La concomitance avec son destin personnel, l’alcool se substituant au jeu, vaut au récit une dimension émotionnelle supplémentaire.
2. CHEZ LES FOUS
Date de diffusion : 27 septembre 1962 Auteur : Barre Lyndon Réalisateur : John Brahm La terreur règne sur un campus universitaire, où depuis peu un maniaque poignarde de jeunes femmes. Un soir, il tente de s’en prendre à Daphné, étudiante en médecine, alors que celle-ci se rendait à une soirée. Daphné parvient juste à temps à rallier la maison où se tient la réunion, bientôt rejointe par plusieurs hommes qui pourraient être le coupable : un médecin inquiétant, un trouble musicien, un professeur visiblement très épris d’elle, voire son propre fiancé, étudiant en psychologie fasciné par les tueurs en série. Celui-ci propose à Daphné de tendre une embuscade à l’assassin, où elle servirait d’appât. Cet épisode, au titre original qui plaira aux amateurs de l’époque Cathy Gale des Avengers, se révèle un excellent récit d’atmosphère. L’intrigue joue à plein sur l’effet produit par la malheureuse Daphné cernée par un groupe d’individus tous passablement psychotiques et potentiellement dangereux, un élément souligné avec une certaine vulgarité tapageuse par le titre français. La mise en scène relaie puissamment cet aspect, avec sa photographie soignée et quasi onirique. Le tournage en décors mis en valeurs par d’astucieuses perspectives accentue encore cette dimension cauchemardesque, de même qu’une musique parfaitement choisie. Les psychologies pour le moins troublées des joyeux drilles assemblés en cette fatidique soirée, s’exprime par des dialogues certes volontiers déclamatoires, mais qu’une interprétation judicieusement exaltée exempte de ridicule. On se croirait par moments chez Poe, notamment lors de l’évocation des plus fameux serial killers de l’histoire. Déjà remarquable lors de l’épisode Mirror Image de The Twilight Zone, la talentueuse Vera Miles incarne avec brio une lumineuse Daphné, dont l’éclat et la tempérance contrastent éloquemment avec les prédateurs. Malgré ces indéniables qualités, la réussite de l’opus demeure imparfaite. Pour devenir parfaitement efficace, le récit aurait du pleinement s’incarner, au lieu de se positionner en simple exercice de style, ce qu’à quoi contribue le manque de crédibilité de l’université présentée. On se croirait davantage chez Agatha Christie, avec ces étudiants manifestement trop âgés et ce milieu universitaire décrit comme très aristocratique. A peine un peu plus d’un an après la diffusion de l’épisode, Berkeley sera devenu le centre d’un mouvement contestataire qui marquera la décennie, une ébullition en cours qui n’est ici évoquée qu’au détour d’une phrase élusive. Par ailleurs le scénario reste assez statique, se limitant souvent à des dialogues entre Daphné et les suspects, sans que l’action n’avance le moins du monde, jusqu’à un final largement prévisible. Surtout Daphné se limite à un simili MacGuffin : elle n’accomplit absolument rien de tout l’épisode, se contentant de converser et de suivre les indications de son fiancé. Un personnage féminin aussi passif et docile correspond sans doute aux conventions du temps, aujourd’hui il détonne.
3. LE CHANTAGE
Date de diffusion : 4 octobre 1962 Auteur : Richard Fielder, d’après un roman End of the Track, d’Andrew Garve Réalisateur : Alan Crosland, Jr. Jim Mallory, un garde forestier, vit heureux en famille, avec son épouse et leurs deux filles, dont l’une, Anne, a été adoptée à 3 ans. Soudain un étranger se présente à Jim, se faisant passer pour un révérend. Or il s’agit d’un maître-chanteur, connaissant le terrible passé d’Anne. Son père a jadis battu à mort sa mère, avant de se prendre en prison. L’inconnu menace de révéler cette déstabilisante vérité à la jeune fille, à moins que Jim ne lui verse une importante somme d’argent. Mais Jim ne va pas réagir comme il le prévoyait. L’épisode constitue une éloquente démonstration du savoir faire narratif d’Andrew Grave, nom de plume du prolifique écrivain britannique que fut Paul Winterton. Sans s’immerger dans les abîmes introspectifs du Roman noir, il écrivit néanmoins de nombreux récits policiers ou d’espionnage parfaitement efficaces. Cette habileté se retrouve dans cette intrigue jouant efficacement de plusieurs ressorts. La narration introduit un suspense, certes ne débordant pas d’originalité, mais se montrant palpable quant à la résolution de la crise et sachant le prolonger jusqu’à son terme. Introduire deux maîtres chanteurs, le second autant brutal et psychotique que le premier se montre cauteleux et madré, permet une relance efficace de l’intrigue. On se retrouve de fait non pas face à une seule histoire s’étirant sur 50 minutes, mais à deux récits nerveux et denses. L’aspect psychologique relaie également avec habileté l’événementiel, avec des personnes plus ambivalents que le portrait initial d’une idyllique famille américaine. Sans jamais le déclarer ouvertement, la mère établit une distinction entre ses filles naturelle et adoptive. L’interrogation selon laquelle la personnalité d’Anne pourrait être influencée par son hérédité date le récit mais apporte un enjeu supplémentaire. Le grand atout de l’opus demeure par ailleurs la bouleversante prestation de Brian Keth, débordant d’amour et prêt à tout pour sauver celle qu’il considère comme sa fille à part entière. Cette dimension paternelle revêt une résonnance particulière vis à vis de son parcours personnel. On pourra regretter une conclusion trop précipitée et une réalisation très classique, mais l’épisode demeure prenant de bout en bout.
4. J’AI TOUT VU
Date de diffusion : 11 octobre 1962 Auteur : Henry Slesar, d’après une histoire d’Henry Cecil Réalisateur : Alfred Hitchcock Cinq témoins assistent à la collision d’une moto par une voiture ayant brûlé un stop et dont le pilote prend la fuite. L’auteur de romans policiers Michael Barnes vient néanmoins se livrer à la police le lendemain, affirmant que c’est la moto qui l’a percuté, alors qu’il était à l’arrêt. Le conducteur de cette dernière et Barnes est alors poursuivi pour homicide. Il décide d’assurer sa propre défense lors d’un procès durant lequel il va mener bataille face à des accusateurs dont il pointe les contradictions. Henry Cecil Leon, comme bon nombreux d’auteurs autant été adaptés par l’anthologie, est Britannique, l’influence d’Hitchcock n’y étant sans doute pas pour rien. Lui-même un ancien juge, Cecil écrivit des romans procéduraux mettant habilement en valeur le système judiciaire anglais, qui plurent au Maître du Suspense. Durant les années 50, celui-ci tenta d’ailleurs vainement d’adapter l’une de ses œuvres au cinéma, No Bail for the Judge. Cet acte manqué explique vraisemblablement que cet épisode ait été retenu par Hitch pour son unique mise en scène de la série, d’autant que parmi les cinq témoins on retrouve des personnages récurrents de Cecil, tels l’autoritaire colonel à la retraite ou le pittoresque alcoolique. Malheureusement ce choix s’avère décevant, car le réalisateur n’a aucunement l’occasion de mettre en valeur son talent lors de ce récit judiciaire au huis clos ne donnant lieu qu’à des postures vues maintes et maintes fois. On ne se situe jamais au-dessus de la moyenne des séries judiciaires, hormis lors de la scène de l’accident, astucieusement évoquée via les réactions horrifiées des témoins, sans que l’évènement lui-même soit directement vu à l’écran. Pour le reste Barnes manifeste une telle supériorité intellectuelle, que l’on n’éprouve jamais le moindre suspense quant à l’issue du procès. De fait, la chute finale concerne plutôt la vérité ultime de sa culpabilité, avec une révélation très prévisible. Le format court aurait sans doute mieux convenu à l’intrigue : d’abord ludiques, les témoignages et autres péripéties ultra classiques s’éternisent vite. En définitive, on ne débat durant trois quarts d’heure que pour déterminer si une voiture s’est arrêtée ou non à un stop... Demeure l’impeccable prestation d’un Forsythe pleinement dans son emploi, autour duquel on s’amuse à reconnaître plusieurs visages connus des séries de l’époque.
5. LE TRAQUENARD
Date de diffusion : 18 octobre 1962 Auteur : Richard Levinson et William Link, d’après un roman de John Bingham Réalisateur : Alf Kjellin A San-Francisco, un éditeur reçoit des enregistrements successifs de la part d’un mystérieux auteur de romans policiers, Warren Barrow. Celui-ci le met au défi de deviner s’il s’agit d’un récit littéraire ou véridique. Narrée à la première personne, l’histoire raconte comme un veuf dépressif entreprend de se venger de Janet, une séductrice ayant tenté de le manipuler afin qu’il tue son riche mari. L’éditeur fait appel à un autre écrivain spécialisé, afin de déterminer le vrai du faux dans ce qui ressemble toujours davantage à la chronique d’un assassinat annoncé. Le format long de l’épisode se voit habilement mis à profit, afin de développer l’excellente idée de la nature ambivalente du récit enregistré, réel ou imaginaire. Le doute saisit le spectateur de manière plaisamment ludique, avec une mise en perspective évoquant la puissance quasi magique du littéraire. On songe par moments au grand succès de The Twilight Zone que constitua A World Of His Own, où un écrivain pliait le Réel au gré de son bon plaisir, en une saisissante allégorie. Hélas, cette féconde originalité de l’intrigue se voit battue en brèche par un mauvais minutage, la levée du mystère survenant bien avant la chute finale, alors qu’il y aurait du y avoir concomitance. Il en va du scénario comme du Chat de Schrödinger : ouvrir la boite supprime un fascinant mystère, quelle que soit la vérité révélée. De fait, jusqu’à une conclusion décevante, le récit va devenir considérablement plus classique et prévisible. La mise en scène demeure sobrement élégante, malgré une présence trop visible des décors. Le passage sur la Riviera évoque d’ailleurs l’univers du célèbre Simon Templar. Le Noir et Blanc se montre somptueux, d’autant que la restitution par le DVD s’avère parfaite. L’épisode se voit de plus porté par un duo de comédiens de très haut vol. Angie Dickinson, encore très jeune, impressionne par la maîtrise de son talent, elle incarne avec flamme la quintessence de la Femme fatale. James Mason restitue à merveille les tourments psychologiques de son personnage, un élément clef de l’opus. Avec une force rare, le couple maudit emplit l’épisode d’une trouble tension psychologique et sexuelle, rendant justice aux textes introspectifs de John Bingham, figure anglaise du Roman noir.
Date de diffusion : 25 octobre 1962 Auteur : Henry Slesar Réalisateur : Norman Lloyd Une figure de la pègre californienne offre une inestimable statuette de St-François, œuvre de Donatello, au couvent dont il fut jadis le pupille. L’œuvre est néanmoins volée à la jeune novice Sœur Pamela, par un petit malfrat. Doutant déjà de sa vocation, Pamela est ébranlée par l’évènement. Elle quitte le couvent, mais va néanmoins tenter de mener sa propre enquête afin de retrouver la statuette, espérant rattraper son erreur. Elle va plonger dans un monde interlope et périlleux dont elle ignore tout. Le récit souffre d’un manque d’intensité constant et aurait certainement bénéficié d’avoir à se cadrer sur un format court. Toute la première partie située au couvent tient de l’imagerie d’Epinal, même si agréablement ensoleillée et californienne. Par la suite l’épisode cherche son chemin et refuse plusieurs options porteuses, comme la comédie pure d’une religieuse confrontée à la Californie des Sixties, ou l’introspection d’une âme cherchant sa voie et se demandant si elle ne considère par Dieu uniquement comme un refuge face à un monde périlleux (le sujet est à peine esquissé). .Entre ce grand écart le scénario opte pour des propos lénifiants et une enquête paresseuse, se limitant à quelques raccourcis scénaristiques d’une simplicité navrante. L’édulcoration générale se montre particulièrement pénible au sein d’une anthologie dont on attend des récits s’immergeant dans l’univers fascinant du Roman noir. Pas une seule fois on ne croit pas à la possibilité d’une issue fatale, l’absence de suspense se faisant cruellement sentir. La mise en scène se montre atone, même si l’épisode revêt une agréable valeur documentaire sur le mode de vie de l’époque. En malfrat de bas étage, Clu Gulager nous épuise rapidement par ses vociférations, plusieurs seconds rôles se voient d’ailleurs interprétés avec davantage d’énergie que de finesse de jeu. Outre une chute astucieuse, l’épisode bénéfice toutefois de la prestation solide de R.G. Armstrong en gangster en quête de rédemption et surtout de la sensibilité à fleur de peau de Carol Lynley, qui parvient malgré tout à rendre émouvante Sœur Pamela, au courage discret mais indomptable.
Date de diffusion : 1er novembre 1962 Auteur : Robert Bloch, d’après le roman Ce mal étrange de Patricia Highsmith (1961) Réalisateur : Paul Henreid Jeune chimiste talentueux, David est secrètement miné par sa rupture avec Annabelle, désormais mariée à un autre. Son idée fixe le pousse à se créer une autre identité, avec laquelle, durant les week-ends, il s’imagine vivre avec Annabelle, dans un charmant cottage. Malgré cela il continue à harceler la jeune femme. Une collègue amoureuse de lui perce son secret, ce qui va faire s’effondrer l’équilibre psychique déjà fragile de David, avec de terribles conséquences. Egalement adapté par le cinéma français en 1977, avec Depardieu et Miou-Miou dans les rôles principaux (Dites-lui que je l'aime), le fascinant roman de Patricia Highsmith demeure l’un des chefs d’œuvre de cet écrivain profondément singulier, associant Polar et vertigineuses analyses de psychologies déréglées. Que l’auteure de L’Inconnu du Nord Express ait toute sa place au sein de l’anthologie relève de l’évidence, mais il n’en demeure pas moins que transposer tout un ouvrage au format d’un épisode de série télévisée fait encourir le risque d’une simplification des personnalités et des postures. De fait, l’opus n’y échappe pas tout à fait, avec une particulier une relative schématisation du puzzle complexe et éclaté que constitue la psyché de David. Néanmoins l’excellent choix d’une adaptation confiée à Robert Bloch, aux claires affinités avec Patricia Highsmith, permet de préserver les grandes lignes et cette impression fascinante de découvrir une mise en abime à la fois foisonnante et froidement cohérente, convergeant toujours davantage vers l’horreur psychologique. Une difficulté supplémentaire provient de ce que l’on découvre ici de l’extérieur et non de l’intérieur l’esprit schizophrène de David, aimant non pas Annabelle mais le phantasme qu’il se fait d’elle, et implosant progressivement sous le poids de ses fêlures intimes. Fort heureusement, à côté de seconds rôles solidement interprétés (y compris par une étonnante Susan Oliver bien loin d’Orion), l’épisode bénéficie de la performance extraordinaire de Dean Stockwell. Le comédien, totalement possédé par son rôle, sait nous entrainer à sa suite dans la découverte progressive de la démence de son personnage, jusqu’à un final réellement éprouvant. La mise en scène s’adapte avec intelligence à ce savant dégradé, se montrant d’abord charmante, bénéficiant même d’extérieurs californiens ensoleillés, pour ensuite s’immerger progressivement dans l’univers du Roman noir irrigué par l’aliénation mentale, jusqu’à un plan d’une sécheresse clinique marquant l’irruption de l’horreur à l’état pur. Un très grand épisode.
Date de diffusion : 8 novembre 1962 Auteurs : Henry Slesar et Marc Randel, d’après un roman d’Andrew Garve Réalisateur : Alan Crosland, Jr. Ray Roscoe, se présentant come un ancien pilote de l’US Air Force, sauve de la noyade le jeune fils de John et Sally Mitchell. Ce couple aisé prend le héros sous son aile, mais Ray rév_le progressivement un côté plus sombre. Finalement prié de quitter les lieux, il exige alors 20 000 ,dollars à John Il est alors tué lors d’une bagarre avec un autre de ses victimes, évènement qui va plonger les Mitchell dans un cauchemar. Sur un modus operandi qui ne sera pas sans évoquer Harry, un ami qui vous veut du bien au spectateur contemporain, le scénario sait progressivement instiller une sombre menace auprès de la sympathique famille. La tension va croissant au fur et à mesure que le véritable visage de Roscoe se révèle et que tout tourne mal pour les Mitchell. Portée par une mise en scène dynamique, plus richement dotée en extérieurs californiens qu’à l’accoutumée, cette tension dramatique apporte un plus indéniable au récit. On y retrouve le savoir faire du spécialiste du Polar que fut l’auteur Andrew Carve, déjà discernable dans le précédent épisode Le chantage. Toutefois les convergences entre les scénarios des deux opus, ainsi que le format long qui entraine les adaptateurs à prolonger l’effet au-delà du vraisemblable, finissent par éveiller un doute chez le spectateur, jusqu’à rendre la chute passablement devinable. Celle-ci perd également en impact en rompant plutôt qu’en prolongeant le climat oppressant instauré jusque là. On touche là une limite de l’anthologie : contrairement à La Quatrième Dimension : les conclusions s’avèrent jusqu’ici morales, privilégiant le happy ending, jusqu’à en devenir bien davantage prévisibles et édulcorées. Les amateurs de l’anthologie de Rod Serling auront par contre le plaisir de retrouver Bill Mumy, interprétant un enfant autrement plus sympathique que celui de It's a Good Life.
9. THE BLACK CURTAIN
Date de diffusion : 15 novembre 1962 Auteur : Joel Murcott, d’après le roman Retour à Tillary Street, de Cornell Woolrich Réalisateur : Sydney Pollack Du fait d’un choc à la tête occasionné par deux voyous, Philip Townsend émerge d’une amnésie de trois ans, durant laquelle ils ‘était bâti une toute nouvelle identité. Sa mémoire en revient brusquement au traumatisme antérieur, survenu alors qu’il se rendait à son mariage. Tout ce qui a suivi est effacé. Avec l’aide d’un sympathique chauffeur de taxi et de la belle Ruth, rencontrée durant les trois années effacées, il tente dès lors de recomposer le puzzle éclaté que constituent sa vie et sa mémoire. De terribles révélations l’attendent, autour d’un sinistre complot. Cornell Woolrich fut l’un des grands maîtres du Roman noir, qu’il anima de protagonistes torturés et magnifiques, profondément blessés par la vie et animés d’une inextinguible soif de revanche, à travers lesquels il projetait ses propres fêlures. Son œuvre, d’une intensité et d’une qualité littéraire remarquables, fut celle du genre la plus souvent portée au cinéma. Elle attira es plus grands, tels Truffaut avec La mariée était en noir, ou Hitchcock lui même avec Fenêtre sur cour. Inévitablement, transcrire un roman aussi complexe et foisonnant que Retour à Tillary Street dans le format d’un épisode d’anthologie induit une certaine schématisation des psychologies et des péripéties. Néanmoins l’immense mérite de l’opus reste bien d’avoir su reconstituer l’atmosphère chère à l’auteur Le scenario sait à merveille soulever progressivement le « rideau noir » des souvenirs de Townsend, chaque révélation produisant un effet optimal, tout en préservant le cœur du mystère jusqu’à l’ultime minute. Les premières minutes du complexe récit, avant que les premiers points de repères cartésiens ne se mettent en place, s’avèrent réellement vertigineuses. On renoue avec un abîme psychologique et une angoisse existentielle similaires à l’un des plus grands succès de La Quatrième Dimension, Personne inconnue. On comprend que cette approche d’une personnalité fragmentée et en proie à des forces hostiles ait pu séduire Hitchcock. L’épisode sait aussi élargir son point de vue. L’étrange voyage de Townsend s’accompagne de nombreuses rencontres notables, avec des personnages tous parfaitement croqués, du sympathique chauffeur de taxi (excellent Harold J. Stone) au sinistre détective privé antagoniste. On regrettera simplement que les deux mauvais garçons rencontrés de temps à autres disparaissent sans explication, leur segment n’aura en définitive débouché sur rien. Richard Baschart sait apporter à son personnage une très grande expressivité, laissant magnifiquement percevoir son désarroi puis sa rage, en même temps qu’une précieuse crédibilité dépourvue d’emphase. La mise en scène du talentueux Sydney Pollack, au métier déjà remarquable, sature l’atmosphère d’électricité, tout en illustrant à la perfection les codes visuels du genre. Judicieusement l’ensemble de l’épisode est d’ailleurs imbibé de sublimes morceaux de jazz, un authentique régal. Même limité à cinquante minutes, The black Curtain se positionne à proximité des classiques du Film noir. Le roman initial fut d’ailleurs lui aussi adapté au cinéma, en 1942, avec Street of Chance.
10. L’AUTRE HOMME
Date de diffusion : 22 novembre 1962 Auteur : Richard Levinson et William Link, d’après un roman de John Garden Réalisateur : Jerry Hopper Durant une soirée donnée sur un yacht, une dispute éclate entre Paul et son épouse, car il est persuadé qu’elle veut le quitter pour un autre homme. Sous l’emprise de la colère, il la jette à l’eau, où elle se noie aussitôt. Les autres convives, ainsi que la police, croient à un accident. Plus tard, poursuivi par le remord, Paul avoue son crime, mais il s’aperçoit que tous refusent sa version, par incrédulité ou crainte du scandale. Episode très mineur que celui-ci, du fait d’un scénario manquant de consistance et de direction. Une fois la situation posée, l’intrigue ne se développe qu’en rajoutant divers éléments volontiers mélodramatiques et en multipliant les discussions empesées ressassant le même sujet. Dialogues et postures sensationnalistes évoluent entre Santa Barbara et Melrose place. Le jeu solide mais dépourvu d’éclat de barry Sullivan ne suffit pas à animer le spectacle. Parmi les seconds rôles, le shérif Jordan se détache, grâce à la présence coutumière de Claude Akins. Les auteurs préférant consacrer leur temps à faire tourner en boucle les déclarations de Paul, les autres seconds personnages se réduisent à de simples silhouettes. Le scénario hésite trop longtemps entre intrigue policière, mélodrame sentimental et satire de la bourgeoisie, sans aucun doute son meilleur sujet, mais hélas bâclé sur le tard. L’option de l’humour noir n’est, elle, malheureusement jamais retenue, on en reste à un premier degré total. Le duo Levinson & Link fait ses classes, il se montrera autrement plus affuté quant à l’aspect social lors des enquêtes du Lieutenant Columbo.
11. RIDE THE NIGHTMARE
Date de diffusion : 29 novembre 1962 Auteur : Richard Matheson, d’après l’un de ses romans Réalisateur : Bernard Girard Un appel téléphonique nocturne bouleverse la vie du couple modèle formé par Christopher et Helen Martin. Un correspondant anonyme annonce qu’il va venir tuer Christopher, en souvenir du passé. Helen découvre alors que son mari à un passé de gangster et que d’anciens complices s’étant évadés viennent solder leurs comptes. Après un premier affrontement, le gang enlève Helen. Pour la sauver, Christopher va devoir réaliser de sanguinaires prouesses. L’épisode constitue une excellente occasion de vérifier que l’immense talent de Richard Matheson, grande figure de la Science-fiction américaine et pilier de La Quatrième Dimension, ne se cantonne pas à un unique genre. Publié en 1959, son livre, empruntant au Roman noir mais davantage encore au Thriller, brille de qualité qu’il aura pleinement su transposer à l’écran, certainement à l’aide de la maîtrise télévisuelle acquise aux côtés de Rod Serling. L’opus multiplie ainsi les scènes d’action trépidantes, mais aussi les mises à mort d’un réalisme cru, tout en variant les effets : citadelle assiégée de la maison familiale durant une nuit d’angoisse, confrontation urbaine ou encore chasse à l’homme incandescente à travers les collines hollywoodiennes. Le tout s’effectue sans le moindre temps mort, Ride the Nightmare composant jusqu’ici l’épisode où le format long se sera fait le moins ressentir. La mise en scène de Bernard Girard s’adapte impeccablement à la nature électrique du récit, avec une caméra nerveuse à souhait, dont la mobilité souligne la violence des sentiments animant les protagonistes. A côté des trognes patibulaires idoines des gangsters, Hugh O'Brian effectue une remarquable composition. Son expérience du Western lui vaut d’exceller lors d’affrontements s’inspirant parfois ouvertement du genre, mais il convainc également lors de précieuses scènes davantage introspectives, ou mari et femme s’interrogent et s’interpellent quant à la réalité de leur couple. La lumineuse et sensible Gena Rowlands apporte à cet égard toute une dimension supplémentaire au récit. Elément remarquable, la personnalité de Richard Matheson lui permet de s’émanciper de la formule de l’anthologie d’Hitchcock, exemptant son histoire d’une rituelle chute surprise ici hors de propos. Le regard échangé entre les époux retrouvés s’avère bouleversant. On comprend que la qualité du récit ait également inspiré le cinéma, le roman de Matheson y étant également porté en 1972, avec une délocalisation de l’action dans la riviera française et Charles Bronson dans le rôle principal (De la part des copains, 1972).
Date de diffusion : 6 décembre 1962 Auteur : Lou Rambeau, d’après deux histoires, de John D. MacDonald et Charles Runyon Réalisateur : Bernard Girard Hadley Purvis, publicitaire à succès mais souffrant d’alcoolisme, se réveille un matin avec une terrible gueule de bois. Il a perdu souvenir de ce qui s’est déroulé la veille et a la surprise de constater que son épouse a fait sa valise. Il a passé la nuit aux côtés de Marion, une demi-mondaine rencontrée dans un bar. Peu à peu la mémoire lui revient et il découvre progressivement comment en une seule journée de dérive il perdu à la fois son mariage et son travail. L’épisode reste le seul de l’anthologie à se composer de la fusion de textes différents, avec les nouvelles Hangover de John D. MacDonald (1956) et Marian, de Charles Runyan (1960). Il compose avant tout une dénonciation sincère de l’alcoolisme, élément souligné par l’adresse directe au public effectuée par Hitchcock, en lieu et place de l’amusant sketch final. Evidemment tout cela se montre démonstratif en diable, de bout en bout, avec un scénario minimaliste : Purvis se souvient progressivement, et de manière artificiellement linéaire, comment il a détruit sa vie privée et professionnelle en une seule journée d’ivresse. On ne sort jamais du rail ainsi tracé et le format long dilate inutilement certains flashbacks. Néanmoins la personnalité et le pittoresque de l’excellent Tony Randall évitent au récit de sombrer dans l’ornière du pathos. L’amusement passagèrement ressenti rend d’autant plus sonore l’épouvantable chute finale. Quelques à-côtés pimentent le récit à la marge, comme la vision de ce parterre exclusivement masculin de publicitaires des Sixties, évoquant déjà Mad Men, ou encore le panorama sur le style de vie d’alors. La présence de l’adorable Jayne Mansfield au sein de ce pamphlet antialcoolique, alors que ce fléau va lui couter sa carrière et jusqu’à sa vie, projette une cruelle ironie.
Date de diffusion : 13 décembre 1962 Auteurs : William D. Gordon et Alfred Hayes, d’après une nouvelle de V. S. Pritchett Réalisateur : Joseph Pevney Le prêcheur Robert Evans séduit une charmante vieille dame cardiaque. Un soir il l’entraine dans une danse endiablée, jusqu’à ce quelle soit atteinte d’un infarctus mortel. Il lui refuse les pilules qui auraient pu la sauver, guignant la superbe maison qu’elle lui a promise. Mais la victime n’avait rien signé et sa jeune nièce Linda hérite du bien. Evans va entreprendre de l’épouser. La scène d’ouverture se montre remarquable, illustrant le caractère psychiquement instable ainsi que le cynisme d’Evans. Peter Falk y excelle, tandis que l’on peut s’amuser à trouver des intonations très à la Columbo à cette révélation initiale de l’auteur et du modus operandi d’un assassinat. Par contre l’épisode connaît par la suite un interminable calme plat, uniquement constitué des diverses tentatives de séduction opérées par Evans. Pritchett, CBE, est un écrivain anglais de grande qualité et spécialiste de la nouvelle, mais pas un auteur policier. On devine que le texte original se livre à une belle étude du caractère d’Evans, qui n’est pas parfois sans évoquer, sur un mode mineur, celui du prêcheur de La nuit du chasseur. Mais, passée à la moulinette de la télévision, l’intrigue se limite à un marivaudage à peine rendu étrange par le protagoniste. Le talent de Falk apporte de l’épaisseur au personnage mais ne peut rien quant au manque quasi-total d’action et de péripéties, jusqu’à un final largement prévisible et passablement déclamatoire. De son côté Dina Merrill apporte de l’élégance et de la classe à Laure, mais aucune intensité particulière au récit.
14. THE TENDER POISONER
Date de diffusion : 20 décembre 1962 Auteur : Lukas Heller, d’après un roman de John Bingham Réalisateur : Leonard J. Horn Barney avoue à son ami Peter qu’il va quitter sa femme Béatrice, étant tombé amoureux de la jeune Lorna. Mais Peter va lui-même être séduit par Lorna et va dès lors s’ingénier à contrecarrer toute possibilité de divorce entre Béatrice et Barney. Acculé, ce dernier se résout alors à empoisonner sa femme. Les deux machinations parallèles vont se percuter au cours d’une nuit fatale. A la fois original et maîtrisé, le scénario instille tout du long un humour noir aussi discret qu’acéré, une rareté jusqu’ici au sein de l’anthologie. Si l’environnement s’avère tout à fait californien (quelles voitures et quelle contrée !), on y savoure de fait une tonalité très anglaise, à l’image de l’auteur John Bingham, l’une des grandes griffes du Roman noir britannique. En contrepoint du récit, puis toujours davantage au premier plan, on savoure la mise en place progressive de mécaniques conduisant inévitablement au meurtre, cette convergence des destins qu’Agatha Christie nommait l’Heure Zéro. Tout ceci demeure certes artificiel, mais aussi ludique en diable, comme bon nombre des écrits de la Duchesse de la Mort. Le chef d’œuvre de cette pétillante histoire réside dans le fait qu’en définitive l’assassinat vers lequel tout conduit ne survient jamais, le Destin se jouant décidemment des œuvres humaines, c’est très fort. La construction de l’intrigue ne demeure pas uniquement intellectuelle ou subtilement humoristique, elle s’appuie également sur une féroce étude de caractères. Les hommes, veules et lâches, s’avèrent prêt à tout pour satisfaire leurs désirs, mais les femmes sont elles-mêmes loin de figurer des anges, Béatrice cocufiant joyeusement Barney et Lorna cédant elle aussi facilement à ses inclinaisons. Ce sombre portrait de l’Humanité installe une jolie passerelle entre le Roman noir et le Whodunit anglais, dont le récit constitue un anti-portrait expert. Si la mise en scène s’avère classique, L’interprétation se montre de qualité, à commencer pa un Howard Duff parfait en félon de roman faisant feu de tous bois pour parvenir à ses fins. On regrettera simplement que les auteurs cèdent à la tentation de la chute choc, ici inutile, n’hésitant pas pour cela à rendre les comportements brusquement illogiques. C’est dommage, mais l’épisode demeure un exercice de style élégant et plaisamment sarcastique.
15. LE 31 FÉVRIER
Date de diffusion : 4 janvier 1963 Auteur : Richard Matheson, d’après un roman de Julian Symons Réalisateur : Alf Kjellin La femme d’Andrew Anderson, important cadre d’une société de design, décède brusquement dans une chute d’escalier. Malgré les doutes du Sergent Reese, la justice décide que le décès est accidentel. Toutefois Anderson reçoit à son bureau plusieurs lettres anonymes l’accusant d’avoir commis un assassinat. Suspectant ses collègues et rivaux, il sombre peu à peu dans la paranoïa. De manière très amusante pour l’amateur de La Quatrième Dimension, Richard Matheson adapte la nouvelle initiale de manière à ce que l’épisode s’assimile autant que possible à l’anthologie de Rod Serling, à laquelle il a puissamment participé. L’étrange et la montée irrépressible de la folie pallient au recours au Fantastique ou à la Science-fiction, mais l’on retrouve pareillement cette idée d’un dérèglement de la réalité emportant un malheureux quidam, comme aux plus belles heures de The Twilight Zone. Le procédé s’avère savamment maîtrisé par Matheson, mais l’auteur ne peut qu’imparfaitement pallier à la contradiction entre le format long et un récit se cristallisant sur l’attente de la chute finale, élément particulièrement important chez The Twilight Zone. On butte sur le même effet dilatoire que durant la saison 4 de cette anthologie, alors que The Alfred Hitchcock Hour aura su contourner l’obstacle en densifiant ses récits, adaptant des romans entiers, avec une part impartie à la conclusion davantage relativisée. Matheson reste trop habile pour recourir à du délayage à proprement parler, mais certains éléments tombent à plat, comme cette improbable romance entre Andrew et la dessinatrice. Tentative imparfaite, Le 31 février compte néanmoins plusieurs moments particulièrement intenses, grâce à la composition inspirée de David Wayne, mais aussi à la présence inquiétante de William Conrad, parfait en policier faussement onctueux et bonasse, au regard si inquisiteur. La chute s’avère idéale, évitant jusqu’au bout le Fantastique, mais conservant le mystère quant à la véritable nature de la mort de l’épouse, Matheson sachant pertinemment à quel point l’inexpliqué trouble toujours.
16. WHAT REALLY HAPPENED
Date de diffusion : 11 janvier 1963 Auteur : Henry Slesar, d’après un roman de Marie Adelaide Belloc Lowndes Réalisateur : Jack Smight Eve, jeune et fortunée veuve, doit se défendre au tribunal du meurtre de son mari et faire face aux véhémentes accusations de la mère de ce dernier, Mme Raydon. Mais c’est en fait Addie, gouvernante de la demeure et amie d’Eve qui a commis secrètement le crime, le maître de maison désirant la renvoyer car ne supportant plus son jeune fils. Les débats révèlent que le garçon est en fait le fils secret d’Eve ! Avec la franco-britannique Marie Belloc Lowndes, l’anthologie accueille son premier auteur féminin, un gage d’ouverture d’esprit en ce début des années 60. Romancière prolifique, Marie Adelaide Belloc Lowndes composa avant guerre d’efficaces récits policiers, qui surent ne jamais délaisser la dimension psychologique des personnages. Son ouvrage le plus célébré, The Lodger, fut d’ailleurs adapté au cinéma par le Maître du Suspense en 1927 (Les cheveux d’or). Le récit va néanmoins cumuler les handicaps, avec une bonne dose de mélodrame et un recours au récit procédural, à l’intérêt fatalement limité dès lors que l’on connaît déjà la coupable. De plus, la contrainte de cacher un enfant conçu hors mariage se concevait à l’époque de l’écriture du roman (elle se retrouve d’ailleurs à plusieurs reprises chez Agatha Christie), mais cela date désormais l’ensemble de l’opus. Toutefois un suspense psychologique, certes relatif, demeure quant à savoir si Addie va révéler le pot aux roses afin de sauver son amie. Par ailleurs la mise en scène parvient à s’extirper du huis-clos si convenu du tribunal, lors de flashbacks que les versions antagonistes d’Eve et de Mme Raydon rendent ludiques. Surtout, on s’intéresse au récit du fait des trois magnifiques comédiennes qui l’animent de bout en bout. Gladys Cooper campe une Mme Raydon impressionnante en incarnation de la vengeance et Ruth Roman joue avec une précieuse sensibilité le personnage tourmenté d’Addie, lui apportant ainsi une crédibilité atténuant la dimension mélodramatique du sujet Ann Francis compose avec le talent qu’on lui connaît le portait central d’une Eve ambigüe, légère et dépensière mais veillant également tendrement sur son fils. Ce portrait de trois femmes identiques par l’amour absolu qu’elle prote à leur progéniture, y compris adoptive, apporte une forte unité dramatique à l’épisode.
17. BROUILLARD
Date de diffusion : 18 janvier 1963 Auteur : Lee Erwin Réalisateur : Charles F. Haas Alors que son mari est en voyage d’affaires à San Francisco, Karen Wilson s’inquiète de se retrouver seule dans leur maison située sur une plage isolée. Durant la nuit, un Hispanique vient frapper à sa porte, affirmant être en panne d’essence et demandant à passer un coup de téléphone. Karen refuse de le laisser entrer et, alors qu’il se rend à pied jusqu’à une station service, sa fiancée est mortellement agressée par un inconnu. Karen doit faire face à la colère vengeresse de l’homme, mais aussi à la présence d’un inquiétant voisin, pouvant être le tueur. La deuxième moitié de saison débute par un épisode inégal. L’intrigue suscite un huis clos quasi-total au sein de cette maison se refermant comme un piège autour de Karen, mais ne parvient pas à en maintenir l’intensité jusqu’à son terme. La faute en revient au manque de relai que subit la situation initiale, conjointement à un format long ici contreproductif. Le récit cherche à pallier à son immobilisme en multipliant le nombre de personnages, mais les successives visites à Karen, plus ou moins inquiétantes, se succèdent trop mécaniquement, jusqu’à lasser. L’espèce de vaudeville rassemblant tout le monde lors des dernières minutes résulte également artificiel. L’instauration d’un Whodunit à la Agatha Christie aurait pu apporter un précieux second souffle, mais cette carte n’est jamais jouée. Bien au contraire, on retrouve le tic d’écriture selon lequel un second rôle ne démontrant pas d’autre utilité est souvent le coupable, d’où un relatif manque d’impact lors de la révélation finale. La mise en scène en studio reste assez paresseuse, de plus lestée de quelques inserts grossiers. L’opus conserve toutefois quelques à-côtés intéressants, comme l’évocation de la vogue 60’s du surf en Californie, avec des copies conformes des Beach Boys. Tout en évitant des se montrer trop pesamment démonstratif, le récit développe une thématique anti raciste assez en avance sur son temps. Il n’est jamais dit explicitement que Karen se méfie de Sanchez car il est Hispanique, mais le clair sous-entendu se voit encore souligne par la chute de l’histoire. De même, la distribution se montre de qualité, dont Greg Morris (le futur Barney de Mission Impossible), pour l’une de ses toutes premières apparitions à l’écran. En définitive Forecast: Low Clouds and Coastal Fog s’appuie avant tout sur l’émouvante composition d’Inger Stevens, dont la sensibilité à fleur de peau et l’expressivité évoquent l’inoubliable portrait d’une autre femme en danger qu’elle composa dans The Twilight Zone (The Hitch-Hiker, 1960). Le format long présente au moins l’opportunité de lui permettre d’exprimer pleinement les angoisses et le remords de Karen.
18. A TANGLED WEB
Date de diffusion : 25 janvier 1963 Auteur : James Bridges, d’après un roman de Nicholas Blake (1956) Réalisateur : Alf Kjellin David, fil de famille mais voleur compulsif, tombe amoureux de Marie, la bonne française de la maison. Face à l’opposition de sa mère, il s’enfuit avec elle. Mais un homme est tué durant un cambriolage tournant mal et il est emprisonné, après avoir confié Marie à Karl, son ami et complice. Or Karl s’éprend également de Marie et va dès lors comploter afin d’expédier David sur la chaise électrique. L’auteur roman originel, Nicholas Blake, est en fait le pseudonyme de Cecil Day-Lewis. Par ailleurs père du comédien Daniel Day-Lewis, il fut l’un des poètes anglais les plus célèbres du XXème siècle. En 1968, Day-Lewis fut nommé poète officiel de la Cour (Poet Laureate of the United Kingdom) par la Reine, qui l’anoblit également en l’élevant au rang de Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique. Mais avant de connaître la gloire, il vécut en se lançant avant guerre dans une carrière d’ auteur de polars à succès, ayant comme héros le détective Nigel Strangeways. Autant de récit pouvant être aisément portés à l’écran sous formes de thrillers. Or c’est un roman totalement à part que va étrangement retenir anthologie, avec A Tangled Web (1956) Bien que nanti d’un ressort policier, le livre développe essentiellement le portrait psychologique de l’héroïne, avec une atmosphère proche du mélodrame, sur un ton assez empesé. Malheureusement, l’adaptation se montre sans génie. Le scénario ne va jamais pallier aux faiblesses de l’ouvrage en passant de l’écriture littéraire à la télévisuelle. Certes, alors que le livre dévoile d’emblée la conclusion, avant d’opérer par un vaste flashback, au moins l’intrigue ménage ici un relatif suspense, relativisé par le ton moraliste laissant aisément prévoir la conclusion des débats. Mais la description du caractère des uns et des autres s’éternise beaucoup trop. La part impartie aux rouages de la machination relève de la portion congrue, le tout s'engluant dans le misérabilisme. Le format long accentue l’ennui s’emparant progressivement du spectateur, l’opus aurait sans doute davantage eu sa place au sein d’Alfred Hitchcock présente. La scène finale sombre dans le mélodrame outré le plus lacrymal qui soit. La mise en scène reste académique au possible et n’apporte aucune plus-value. La distribution, fort relevée, suscite au moins un effet de curiosité, mais les comédiens se se montrent pas à leur meilleur niveau. Robert Redford se contente de capitaliser sur son charme naturel. Le cascadeur lui servant de doublure résulte particulièrement évident. Quoique davantage consistant, Barry Morse ne retrouve que partiellement la flamme sinistre qui l’animait l’année précédente dans La Quatrième Dimension (A Piano in the House). Bien que moins connue, Zohra Lampert (ici nantie d’un charmant accent français) leur dame aisément le pion, son éloquente expressivité dans la description des souffrances de Marie demeurant le seul véritable moteur de l’épisode.
19. TO CATCH A BUTTERFLY
Date de diffusion : 2 février 1963 Auteur : Richard Fielder Réalisateur : David Lowell Rich Bill et Janet Nelson, un jeune couple sans enfants, emménage dans une nouvelle demeure, située dans un sympathique quartier résidentiel. Toutefois il est d’emblée en butte à l’hostilité d’Eddie, le fils du voisin Jack Stander. L’enfant manifeste une authentique cruauté et va jusqu’à tuer le chien des Nelson et à blesser Janet, avant de préparer pire encore. Toutefois, quand Bill se confronte à Jack, il comprend que qu’Eddie souffre de la mauvaise influence de son père, et qu’il a avant tout besoin d’aide. Durant sa majeure partie, l’épisode stupéfie véritablement par la véracité sans détours de son évocation de la personnalité sadique d’un enfant, un sujet éminemment transgressif et dérangeant. Alors qu’à un tel degré d’intensité une telle histoire serait totalement inenvisageable sur nos écrans d’aujourd’hui, l’anthologie n’hésite pas à aller très loin sur le sujet, jusqu’à se montrer réellement dérangeante. C’est à la véritable formation de la personnalité d’un serial killer à laquelle nous assistons, un thème que l’on préfère évoquer a posteriori à notre époque où Spielberg et Disney (entre autres), mais aussi le consumérisme, ont édulcoré l’approche de l’enfance, un territoire pouvant également se révéler sombre et périlleux. C’est un joli pied de nez que les Sixties adressent ici à notre époque ayant édifié bien des tabous. Le récit n’est pas sans évoquer celui d’un grand classique de La Quatrième Dimension, It's a Good Life, où l’irruption du Fantastique accroisait l’effroi suscité par l’enfant diabolique. Mais, par son enracinement dans le réel, The Alfred Hitchcock Hour rend finalement plus troublante encore cette évocation de l’Obscur naissant au sein d’une radieuse banlieue. Il demeure extrêmement dommageable qu’in extremis l’opus opte pour la mièvrerie d’un happy end où chacun se réconcilie. Sur le tard l’anthologie de Rod Serling rattrape son retard, elle qui aura su ne pas dévier de son sillon initial. La mise en scène sert habilement le portrait d’Eddie, impeccablement interprété par Mickey Sholdar. Les adultes jouent solidement leurs rôles, mais sans brio particulier, ce qui met idéalement en avant le jeune comédien. En arrière-plan, le récit évoque l’émergence durant les 60’s de ces suburbs aisés, installés loin des centres-villes, également décrits dans Desperate Housewives ou l’Arcadia des X-Files.
20. THE PARAGON
Date de diffusion : 9 février 1963 Auteur : Alfred Hayes, d’après une histoire de Rebecca West Réalisateur : Jack Smight La riche et dynamique Alice Pemberton est persuadée d’incarner la perfection. Sans aucun tact, elle ne cesse d’intervenir dans la vie de ses proches pour qu’ils deviennent à son image tout en décochant des conseils remplis d’un inconscient mépris. Particulièrement écrasé, son mari observe leurs relations se détourner toujours plus de leur couple, jusqu’à ce la manie d’Alice devienne insupportable à tous. A bout de ressources, après une ultime confrontation n’ayant servi à rien, il se décide d’assassiner Alice. L’épisode ne comporte guère d’action, mais développe une frappante étude psychologique, animée par l’impressionnant abattage de Joan Fontaine. L’actrice apporte beaucoup de force et de suggestion à ce portrait d’une forte femme, dont la folie se découvre progressivement, tout en se montrant dérangeante par son originalité. A l’inverse du jeune serial killer en devenir de l’épisode précédent, Alice n’a aucune mauvaise intention, mais son égocentrisme pathologie transmue son altruisme en envahissement toujours plus oppressant. Elle dessine une astucieuse distorsion des vertus traditionnelles de la femme au foyer, à l’interventionnisme dévastateur dans la vie de chacun, avec un manque d’empathie devenant réellement effrayant. A sa manière, l‘opus met en exergue le rôle important tenu par les femmes dans la vie sociale, un thème chère à la grande auteure féministe que fut Rebecca West. Malgré la qualité de la prestation de la star, l’épisode présente le défaut de trop se centrer sur elle, sans doute parce qu’elle fut si déterminante dans la carrière d’Hitchcock lui-même, lors de ses débuts aux Etats-Unis. Les conséquences du dérèglement d’Alice sur son entourage demeurent principalement exposées à travers leur narration par le mari, dont l’interprète manque d’expressivité. Jusque-là les personnes rencontrées paraissent désagréables, sans que l’on perçoive l’étendue de leur propre souffrance. Le panorama résulte ainsi déséquilibré, ce qui enlève de sa crédibilité à l’option définitive retenue par le mari. L’artificialité de la conclusion se voit rehaussée par un inutile recours à un simili Fantastique, puis par une information supplémentaire sans grand intérêt apportée par Hitchcock lors de sa conclusion.
21. I'LL BE JUDGE - I'LL BE JURY
Date de diffusion : 15 février 1963 Auteur : Lukas Heller, d’après une histoire d’Elizabeth Hely Réalisateur : James Sheldon Alors qu'un couple de jeunes mariés est en lune de miel au Mexique, l'épouse est assassinée par un déséquilibré. La police locale a identifié l’assassin. De plus elle est certaine qu'il ne s'agit pas de son premier meurtre, mais manque de preuves pour l'arrêter. Le veuf, Mark, décide alors de faire justice lui-même, mais c’est lui qui périt lors de l’affrontement. La sœur de la défunte et son mari Alex vont monter une arnaque afin d’obtenir les aveux du meurtrier. La première grande partie de l’opus suscite un réel intérêt. Relative rareté au sein de l’anthologie, la mise en scène bénéfice de jolis extérieurs californiens, rendant ainsi crédible la reconstitution du Mexique. Si le portrait du pays et de ses habitants ne s’affranchit pas de certains clichés (ah, cette taverne et ces sombreros), il paraît néanmoins exempt de cette condescendance imbibant nombre des productions américaines de l’époque. Le scénario ménage habilement le jeu du chat et de la souris entre Mark et l’assassin, avec une progressive élévation de l’intensité dramatique et l’instauration d’un suspense bien présent quant à l’issue des événements. Les acteurs se montrent très convaincants et apportent une indéniable électricité à la confrontation fatale. On apprécie en particulier la solide prestation d’un imposant Peter Graves, ici au sortir de sa période hollywoodienne de seconds rôles de films d’action et abordant cette télévision allant lui apporter la gloire. Il exprime avec talent la colère froide et inexorable animant son personnage. Toutefois la différence de gabarit entre lui et son antagoniste rend quelque peu gratuit le twist de son soudan trépas, sur les circonstances duquel la réalisation jette d’ailleurs un voile bien pratique. De fait le dernier tiers du récit va se révéler décevant, du fait d’une théâtralisation outrée de nombreuses scènes de l’arnaque, dont celle de la simili pendaison. Cette artificialité se retrouve dans le jeu trop accentué des acteurs et dans un manque de cohérence dans le profil de l’assassin, tueur traqué n’ayant plus rien à perdre et pourtant devenu bien docile. On a aussi du mal à croire qu’un couple de quidams puisse monter un plan aussi compliqué en aussi peu de temps. Demeure le plaisir d’un récit référencé, même involontairement. Ce portrait d’un tueur de femmes dominé par sa mère évoque de loin Norman Bates et l’arnaque mise en place dans le but de le faire chuter précède les futures machinations orchestrées par Jim Phelps et ses compagnons d’aventure.
22. DIAGNOSIS: DANGER
Date de diffusion : 01 mars 1963 Auteur : Roland Kibbee Réalisateur : Sydney Pollack Une forme particulièrement pernicieuse de l’anthrax se répand à Los Angeles, amenée depuis le Mexique par un percussionniste de jazz. Mortelle en une journée, la maladie se propage car le bongo du musicien, contenant le bacille, passe de mains en mains. Le LAPD et les autorités sanitaires conjuguent leurs efforts pour résoudre la crise sans créer de panique. Le jeune et iconoclaste Dr. Dana va diriger les opérations, sans se soucier du respect des procédures, suscitant l’irritation mais aussi le respect de son supérieur. Initialement produit pour servir de pilote à une série médicale-policière, l’épisode apporte une vraie rupture de ton au sein d’une anthologie pour l’heure essentiellement dédiée à l’adaptation de romans issus de grands auteurs. On y retrouve une narration bien plus similaire à l’ordinaire d’une série télévisée, le scénario relevant dès l’origine d’une cirure télévisuelle et non littéraire. Tout est dédié à l’efficacité et au rythme, même si la description des personnages ne se voit pas dédaignée, comme il se doit dans un pilote. Toute la première partie se voit d’ailleurs consacrée à la mise en place du décor des bureaux sanitaires et de leurs occupants, mais cela demeure heureusement fort rondement mené comparativement à d’autres lancements de séries. Les figures classiques du héros et du supérieur sont installées, mais avec humour et sans caricature facile. Le chef de service s’appuie ainsi sur les procédures, mais davantage par bon sens et expérience que par esprit de routine. Le bouillant héros, interprété avec flamme par Michael parks, doit parfois modérer ses ardeurs pour prendre en compte le facteur psychologique. Les seconds rôles abondent, souvent pittoresques. Le scenario sait allier à merveille les deux composantes de l’enquête médicale et policière, avec un exposé scientifique solide mais non envahissant, tandis que les péripéties conservent une vraisemblance. Les piques amicales entre policiers et médecin nous valent également des dialogues animés et souvent amusants. Tous demeurent humains dans leur approche du fléau, agissant sans brutalité n’hésitant pas à s’acharner à sauver la vie d’un voyou peu reluisant. Le suspense devient grandissant au fil de la progression de l’équipe jusqu’à un final très tonique, le tout animé par la caméra déjà électrique de Sydney Pollack. Ce pilote très réussi plaira aux amateurs des Avengers comme une version américaine, de Police Surgeon, la série de Ian Hendry, dans sa narration comme dans son environnement. Il s’avère très divertissant de découvrir le matériel et les procédures alors en vigueur, mais aussi un modèle Sixties en diable d’un format médical-policier en vogue aujourd’hui, comme un proto N.I.H. : alertes médicales ou Crossing Jordan.
23. THE LONELY HOURS
Date de diffusion : 8 mars 1963 Auteur : William D. Morgan, d’après un roman de Celia Fremlin Réalisateur : Jack Smight Alors que son mari est en voyage d’affaires, Louise Henderson, mère de trois enfants dont un bébé, prend une certaine Vera Brandon comme locataire. D’abord charmante, il s’avère que cette dernière cherche de plus en plus à se substituer à Louise dans on rôle de mère. Troublée, Louise découvre que Vera a eu un enfant mort né et qu’elle a abordé d’autres familles. Avant qu’elle puisse intervenir, Vera la drogue et enlève le bébé. L’un des grands mérites de The Alfred Hitchcock Hour consiste à nous présenter un intéressant panorama d’ouvres de grands auteurs policiers, notamment anglais. Parmi ces derniers, les femmes tiennent une place importante, même si peu connues en France, car peut-être dissimulées par la grande ombre de la Duchesse de la Mort. L’épisode représente la quintessence de cet aspect de l’anthologie, abordant The Hours Before Dawn, l’un des romans majeurs de Celia Fremlin. Celle-ci fut une grande spécialiste de ce genre éminemment britannique qu’est le roman à sensation, qu’elle contribua à ancrer dans la modernité. Parfaitement retranscrite à l’écran, on y retrouve la même description de l’emprise exercée par le sentiment maternel frustré chez une femme que la douleur accule à la folie froide et au déni du réel. Le récit revêt la forme d’une particulièrement inquiétante marche vers un enlèvement que le spectateur pressent bien avant Louise. L’éveil progressif de la méfiance de celle-ci ne menace jamais de stopper la machine infernale et ses menées ne servent en définitive qu’à dévoiler par des touches habiles l’idée fixe s’emparant progressivement de Vera. L’angoisse de ce thriller psychologique, dépourvu d’action mais au combien intense, doit aussi beaucoup au talent des deux comédiennes principales, évitant toujours de tomber dans l’emphase. Sans aborder totalement le Fantastique, auquel s’est parfois adonné Celia Fremlin, l’opus dégage une étrangeté contribuant à lui conférer une tonalité de cauchemar éveillé. Il en va ainsi de ce récit entièrement peuplé de femmes, ou de ces poupées filmées avec un réalisme dérangeant figurant les bébés de substitution de Vera. Un épisode singulier, à la confluence de The Alfred Hitchcock Hour et de The Twilight Zone.
Date de diffusion : 15 mars 1963 Auteur : James Bridges, d’après un roman de Francis Didelot Réalisateur : Herschel Daugherty Notable d’une petite ville, le pharmacien George Davies tue une femme sur le coup d’une impulsion. J.J. jeune marginal connaissant la victime, est immédiatement soupçonné. Davies est nommé juré lors du procès et, hanté par le remords, va tout faire pour éviter que J.J. ne soit condamné. J.J. est acquitté, mais la vindicte populaire le pousse au suicide, tandis que tous refusent de croire George quand il passe aux aveux. L’anthologie commet ici une infidélité à ses auteurs anglo-saxons de prédilection, optant pour le français Francis Didelot, soit l’une des plumes les plus prolifiques du Masque. L’adaptation de son œuvre maîtresse, Le septième juré, se montre d’une adamantine fidélité, hormis la nécessaire adéquation technique au système judiciaire américain. Surtout, la férocité du discours social du roman ne se voit en rien atténuée, ce qui nous vaut un opus poussivement hors normes au sein d’une production 60’s d’un Network comme CBS. Le système judiciaire américain se voit passé à la centrifugeuse, animé par des juges et des policiers pareillement abrutis et considérant leurs préjugés comme autant de preuves en bonne et due forme. Les liaisons dangereuses entre carrières politiques et judiciaires, propres au système américain, sont également pointées du doigt, sans emphase mais fort clairement. La peine de mort est explicitement décrite comme pouvant s’abattre sur des innocents, ce qui n’était pas si fréquent dans les productions de l’époque. L’intrigue à la bonne idée de réduire au minimum le rituel ultra balisé et coutumier aux séries judicaires, en développant davantage l’environnement que les scènes de tribunal proprement dites. La charge s’élargit d’ailleurs à la population elle-même, nullement épargnée dans ce portrait la montrant prompte au lynchage, tandis que ses plus sombres instincts prennent facilement le dessus. On se situe à proximité du grand classique de La Quatrième Dimension que constitue Les monstres de Mapple Street. Le fait que celui manifestant en définitive le plus d‘humanité soit en fait l’assassin rend la satire sociale particulièrement grinçante, tandis que le refus de croire George induit une conclusion à la cruelle ironie. La mise en scène se montre sobrement efficace et le métier de Dean Jagger apporte une grande crédibilité au récit. Le reste de la distribution se montre plus terne, tandis que le jeune acteur interprétant J.J. surjoue malheureusement en permanence.
25. LONG SILENCE
Date de diffusion : 22 mars 1963 Auteur : Charles Beaumont, William D. Gordon, d’après une histoire d’Hilda Lawrence Réalisateur : Robert Douglas Ralph Manson a épousé une riche veuve, Nora, uniquement par cupidité. Il détourne 200 000 dollars mais est percé à jour par l’un des deux fils de son épouse, qu’il assassine. Alors qu’il met en scène le suicide par pendaison du jeune homme, il est découvert par Nora, que le choc rend catatonique. Toute en demeurant muette et semi paralysée, Nora simule par la suite l’amnésie, afin d’éviter que son mari ne la tue. Soupçonneux, il finit par décider de passer à l’acte, mais elle est sauvée in extremis par une vaillante infirmière. L’auteure de romans policiers Hilda Lawrence fut populaire durant les années 40 et 50, notamment pour ses livres malicieux où deux charmantes vieilles dames, situées quelque part entre Miss Marple et les tantes de Mother, apportaient un précieux concours à un rude et viril détective privé. Mark East. On ne trouve pourtant nulle trace de cette atmosphère humoristique au sein de l’opus. Il faut dire que le texte initial, déjà sinistre, se voit sublimé dans l’effroi par Charles Beaumont. Cet écrivain aussi talentueux que particulier, l’une des grandes plumes de La Quatrième Dimension, imprime réellement sa marque au récit, en le saturant de sa trouble fascination pour la mort. Comme dans un supplice figé, Nora demeure tout au long du récit confinée aux lisières du trépas, de par son corps brisé et par la menace représentée par son mari. La parfaite utilisation d’une voix hors champ permet de nous faire ressentir pleinement les pensées et tourments de la muette. Le processus d’identification joue à plein, un précieux atout pour la transposition à l’écran d’un récit d’épouvante. Sans jamais basculer dans le Fantastique, l’abominable incongruité de la situation tend à susciter un Étrange que Beaumont transfigure, avec un art consommé, en cauchemar éveillé. Le récit génère un suspense toujours plus aigu, tandis que s’intensifie la confrontation entre la lumineuse infirmière et le ténébreux Ralph, autour du corps inerte de la malheureuse, tels des incarnations antagonistes de sa destinée. La psychologie des personnages évite les poncifs : Ralph apparaît lui-même à la dérive dans une fuite en avant éperdue, davantage que comme un assassin machiavélique de sang-froid, ce qui pallie à une faiblesse du scénario le voyant systématiquement échouer dans ses entreprises. Au terme de cet éprouvant voyage immobile au seuil de la mort, le hurlement salvateur poussé par une Nora brisant enfin les murs de sa prison silencieuse revêt une terrible intensité. La mise en scène se montre idéalement oppressante, avec des moments fulgurants (simulacre de pendaison, tentatives de meurtres), avoisinant à la théâtralité du cinéma d’épouvante de Roger Corman, si cher à Beaumont. Elle sert également à la perfection une excellente distribution. Michael Rennie et Phyllis Thaxter sont totalement habités par leurs personnages et la sublime Natalie Trundy apporte une vitalité et une humanité remarquables à celui de l’infirmière, comme une lumière dans la nuit. Un très grand épisode, de quoi regretter qu’il s’agisse de l’unique participation de Charles Beaumont à l’anthologie.
Date de diffusion : 5 avril 1963 Auteur : David Goodis, d’après un roman d’Henry Kane Réalisateur : Bernard Girard Avec son partenaire Bill, la séduisante Eva tente de plumer le gérant d’un casino du désert des Mojaves, or l’arnaque tourne mal et l’homme est tué. Les complices doivent prestement quitter l’établissement. Mais Eva a jeté son dévolu sur Oscar, employé de banque client du casino. Elle l’épouse et s’installe avec lui à Los Angeles. Bill réapparaît et les deux escrocs vont tenter d’extorquer une forte somme d’argent à l’honnête Oscar, mais celui-ci leur réserve une surprise. Le scénario apparaît à l’image des écrits d’Henry Kane, prolifique plume du Masque : rondement mené, sans fioritures, mais aussi sans prétentions littéraires. Les personnages se voient décrits avec saveur, mais demeurent de simples poncifs de la série noire : la vile séductrice, le mauvais garçon et le pigeon. Contrairement à plusieurs opus précédents, celui-ci relève uniquement du roman de genre. Cela ne l’empêche pas de se monter particulièrement prenant par ses péripéties impeccablement minutées et l’humour picaresque qui l’anime, jusqu’à un retournement de situation pétillant d’un véritable humour noir en guise de conclusion. Comme à chaque fois qu’un épisode se termine de manière grinçante, en lieu et place d’un happy ending, Hitchcock vient d’ailleurs ajouter une information lors de sa conclusion, renvoyant l’intrigue dans le droit chemin moral. De ce point de vue l’anthologie résulte décidément bien moins audacieuse que ne le fut La Quatrième Dimension. Outre un joli témoignage sur l’époque, et épisode goguenard vaut également par sa distribution, Henry Silva retrouvant son rôle fétiche de crapule et Larry Storch exprimant efficacement la double nature d’Oscar. Le clou du spectacle reste toutefois le numéro hilarant de la séduisante Linda Christian en cocotte dessalée et vénale, mais aussi crépitante de vitalité et de rouerie féminine. On apprécie également la brève apparition de deux comédiens sur le point d ‘obtenir leur grand rôle : Alan Napier, futur Alfred de Batman 1966 et David White, prochain Larry White de Ma sorcière bien aimée.
27. DEATH AND THE JOYFUL WOMAN
Date de diffusion : 12 avril 1963 Auteur : James Bridges, d’après un roman d’Ellis Peters Réalisateur : John Bram Lors d’une soirée donnée pour son anniversaire, un riche propriétaire de vignes chasse son fils et le déshérite, car celui-ci, amoureux d’une simple vigneronne, refuse d’épouser une riche héritière qui conforterait le patrimoine familial. Il tente alors de l’épouser lui-même. Mais cela éveille la colère de sa secrétaire, à qui il avait promis le mariage après 20 ans d’attente. Ulcérée, celle-ci le tue, puis tente d’assassiner le serviteur témoin de la scène, en le jetant dans une cuve se remplissant d’eau. Ellis Peters est une écrivaine d’une grande richesse, à qui l’on doit notamment les passionnantes enquêtes historico-policières de Frère Cadfael, elles-mêmes superbement adaptées à la télévision par ITV. Malheureusement le roman ici retenu, tel que transparaissant à travers son adaptation, résulte d’un médiocre intérêt. Le scénario se résume à une succession de péripéties passablement grandiloquentes, reliées par un fil ténu. Toute une première moitié du récit se voit ainsi occupée par la confrontation outrée entre le père et le fils, via un duel de boisson tournant vite au mauvais mélodrame. Tout ceci n’aura nulle conséquence par la suite (le fils dessoule même comme apr miracle). La secrétaire ne change de changer de caractère, jusqu’à l’absurde, afin de servir de cheville ouvrière à l’auteur, sans finesse aucune ; Elle apparaît ainsi portée par sa colère, puis ourdissant de sang-froid un second meurtre, avant de sombrer sans raison factuelle dans un désarroi la conduisant à une tentative de suicide. Afin de meubler, on multiplie les scènes de traversées de couloirs et de pièces diverses, jusqu’à satiété. Les scènes montrant le serviteur assommé dans une cuve se remplissant d’eau suscite un suspense trop mécanique, d’autant que la mise en scène demeure très plate. De plus il n’est pas relayé par une enquête digne de ce nom, la coupable avouant tout d’elle-même. L’histoire aurait pu opposer le père cupide et égoïste à l’altruiste représenté par le shérif, mais celui-ci ne survient que lors des toutes dernières minutes de l’opus. La distribution ne parvient pas à transcender l’absence d’histoire solide. L’unique mérite de l’épisode demeure l’évocation de vignobles californiens déjà prospères durant les années 60 !
28. LAST SEEN WEARING BLUE JEANS
Date de diffusion : 19 avril 1963 Auteur : Lou Rambeau, d’après un roman d’Amber Dean Réalisateur : Alan Crosland, Jr. Une famille anglaise passe des vacances dans l’Arizona. Durant un dîner nocturne, la fille, Loren, retrouve dormir dans la voiture de ses parents, mais la confond avec celle de deux malfrats. Ceux-ci l’emmènent sans s’en rendre compte au Mexique, où Loren assiste à un meurtre. Dès lors, elle est traquée dans un pays dont elle ignore la langue. Aux Etats-Unis, es parents font face à l’hostilité du shérif local. Loren va toutefois rencontrer un jeune américain, qui va aider cette aventure à connaître une fin heureuse. L’amateur des séries anglaises des années 60 aura assisté à bien d’aimables caricatures d’autres pays, à commencer par la France. C’est donc avec amusement que l’on découvre nos amis Britanniques bénéficier ici du même traitement, avec ces parents archétypaux, à l’accent caricatural et tenant à savourer une cup of tea dans cet établissement perdu au fin fond de l’Arizona. A leurs côtés, la juvénile Loren incarne toute une autre génération (épatante Katherine Crawford), déjà portée par le Swinging London. Cela nous vaut quelques scènes de comédie, notamment quand son compagnon d’aventures apprend à Karen comment se faire passer pour une Américaine, afin de pouvoir retraverser la frontière (dont le sympathique douanier jouera d’ailleurs un rôle clé dans la résolution de la situation). Mais l’épisode sait aller au-delà d’une charmante romance juvénile et d’une comédie liée aux relations entre Mother England et son ancienne colonie (avec une légère saveur d’Amicalement vôtre à rebours). En effet l’odyssée de Loren au Mexique revêt des aspects d’intense thriller paranoïaque. On ressent pleinement son désarroi et sa panique en cette terre étrangère ou personne ne la comprend et où elle ne dispose d’aucun point de repère. Le récit sait faite la part des choses entre son trouble et le monde réel, tout en introduisant quelques personnages mexicains bienveillants, pour parer à toute accusation de xénophobie. On regrettera toutefois un certain abus en coïncidence, tant pour installer la situation que pour la résoudre.
29. THE DARK POOL
Date de diffusion : 03 mai 1963 Auteur : William D. Gordon, d’après une histoire d’Alec Coppel Réalisateur : Jack Smight Un couple très aisé adopte un orphelin. L’épouse, Dianne, connaît des problèmes récurrents d’alcoolisme et, tandis qu’elle est partie boire un verre, l’enfant se noie dans la piscine. Brisée mais absoute par la justice, Dianne reçoit la visite de Consuela, mère du petit garçon. Celle-ci fait chanter Dianne en menaçant de révéler la vérité à son mari à propos de la boisson. Dianne doit la laisser s’infiltrer dans la vie du couple. En fait Consuela projette de d’achever de faire sombrer Dianne dans l’alcoolisme en exacerbant ses remords, afin de lui ravir son fortuné mari. Le romancier et dramaturge australien Alec Coppel a souvent plongé ses personnages, eux-mêmes sujets à faiblesse, dans des mécaniques infernales les menaçant d’une catastrophe jusqu’au bout du suspense. Sur un mode humoristique, cette approche a pu être découverte en France dans le film Jo (1971), adaptant l’une de ses pièces. Ce talent pour les intrigues diaboliques a été apprécié de longue date par le Maître du Suspense, d’où une collaboration sur La Main au collet (1955) et Vertigo (1958), mais aussi pour plusieurs épisodes d’Alfred Hitchcock présente. Le scénario du jour présente l’intérêt de parfaitement s’insérer dans les thématiques de Coppel, dont il constitue longtemps une efficace évocation. Le récit frappe d’emblée l’imagination avec l’effroi de la mort d’un enfant, une scène ne perdant pas en force par ce que son déroulement s’avère suggéré plutôt que montré. Le piège se refermant sur Dianne se montre implacable et l’on ressent une véritable empathie avec cette femme se sentant inexorablement dépouillée de sa vie. L’expressivité de Lois Nettleton apporte beaucoup à l’ensemble, de même que celui de Madlyn Rhue en tourmenteuse vénale et totalement haïssable. On comprend sans peine pourquoi ces deux comédiennes ont connu une très belle carrière à la télévision. L’impression de chute inexorable se voit parfaitement conduite par le scénario, développant concomitamment le complot de Consuela et le naufrage dans l’alcoolisme de Dianne. La mise en scène se montre élégante, mais aussi d’une grande force quand l’héroïne menace de sombrer dans son abime intérieur, avec plusieurs scènes s’accaparant quelques effets avoisinant le Fantastique. Malheureusement l’opus souffre d’une trop grande proximité avec The Lonely Hours, dont il partage plusieurs thèmes, un mari souvent absent, l’affrontement impitoyable de deux femmes et l’ombre d’un enfant mort. Surtout, le format de cette anthologie grand public diffusée sur un Network, avec son happy ending quasi systématique (à la différence notable de The Twilight Zone), contrecarre visiblement les menées de Coppel. La conclusion heureuse apparaît bien théâtrale, on se demande d’ailleurs bien pourquoi Dianne n’est pas allée plus tôt vérifier les dires de Consuela à l’orphelinat. Le final à tout pour faire pleurer dans les chaumières, tandis que le récit moralisateur sur les ravages, avérés, de l’alcool résulte pesamment didactique.
30. DEAR UNCLE GEORGE
Date de diffusion : 10 mai 1963 Auteur : James Bridges, Richard Levinson et William Link Réalisateur : Joseph M. Newman Sous le pseudonyme d’Oncle George, John Chambers répond au courrier du cœur d’un important journal. Une lettre l’informe lui apprend fortuitement que sa femme le trompe. Il assassine celle-ci et organise un complot afin d’incriminer celui qu’il estime être l’amant. Mais un pittoresque inspecteur de police, le faussement effacé Lt. Wolfson, se méfie. Chambers découvre que le véritable amant de sa femme est son ^propre patron. Il tente de réorganiser les choses pour que celui-ci soit accusé, mais ce faisant commet une erreur permettant au policier de le démasquer. Pour l’amateur de séries policière, l’opus présentera le grand intérêt de montrer comment le duo Richard Levinson & William Link portait en lui de longue date le projet de Columbo. En effet, de manière aussi frappante qu’amusante, on retrouve déjà ici nombre d’éléments constitutifs de ce programme. Toute une importante première partie du récit se voit ainsi consacrée à relater par le détail l’identité et les motivations de l’assassin, ainsi que le déroulement du crime. Par la suite on retrouve le chat du jeu et de la souris entre le coupable et un inspecteur de policier patelin et faussement débonnaire, aimant à évoquer sa femme que l’on ne voit jamais (une conversation téléphonique a lieu). L’épisode se conclue par un échec et mat retentissant, l’assassin trop confiant se voyant indubitablement découvert. Lou Jacobi apporte un amusant pittoresque au Lt. Wolfson, tandis que Gene Barry manifeste cet alliage d’élégance, d’humour et de présence physique faisant de lui un acteur souvent intéressant. Sa présence renforce d’ailleurs le parallèle avec Columbo, car il interprètera pareillement un mari assassin de son épouse lors du pilote de cette série. Toutefois, des divergences existent entre ce proto Columbo et le définitif, correspondant à autant de faiblesses de l’épisode. Ainsi Chambers agit par impulsions successives et une quasi constante improvisation (également lors du crime), ce qui minore la dimension du duel d’intellect avec Wolfson. Le récit se centre également trop sur le criminel et ne laisse pas assez d’espace au policier, tout en développant une intrigue demeurant peu élaborée en comparaison de celles de la série de Peter Falk.
31. RUN FOR DOOM
Date de diffusion : 17 mai 1963 Auteur : James : Bridges, d’après un roman d’Henry Kane Réalisateur : Bernard Girard Le jeune docteur Don Reed tombe éperdument amoureux de Nicki, une sublime chanteuse de jazz. Malgré des mises en garde l’avertissant du naufrage des trois précédents mariages de la belle, il décide de l’épouser. Or Nicki se révèle vénale, uniquement intéressée par l’argent de Reed, tout en se montrant rapidement infidèle. Comme prévu, le mariage tourne à la catastrophe, mais la haine s’étant installée entre les époux va connaître des développements insoupçonnés. De manière tout à fait inattendue et réussie, l’épisode renoue avec la formule du récit à chute, abandonnée pour l’essentiel depuis le passage au format long, caractérisant The Alfred Hitchcock Hour vis-à-vis d’Alfred Hitchcock présente. La présente anthologie avait en effet jusqu’ici privilégié des histoires ordonnancées de manière plus classique. La seconde partie de l’opus installe ainsi un final particulièrement grinçant, où, à travers plusieurs twists percutants, le trio (le mari, la femme, l’amant) parvient à faire son malheur, le tout empreint d’un humour agréablement grinçant. On y retrouve le métier de cet auteur prolifique et imaginatif que fut Henry Kane, l’un des grands habitués de la Série noire. Reste à gérer la longueur, et il est vrai que toute la première partie se se contente d’aligner une bluette assez inoffensive, brodant sur les clichés afférents à la femme fatale. Mais la difficulté se voit contournée par le recours au jazz, imbibant ce qui constitue dès lors un épisode devenu semi musical. Le fait d’avoir à gratter quelques minutes produit même des effets bénéfiques, psoque cela nous permet d’écouter quasiment in extenso de superbes standards de jazz, interprétés avec un indéniable talent par Diana Dors. Par sa sensualité brute et sa présence à l’écran, l’actrice représente un autre atout de l’opus, crevant littéralement l’écran, au-delà d’un portait finalement assez convenu de la femme de mauvaise vie. John Gavin percute moins mais joue de manière suffisamment juste pour ne pas réellement grever son personnage.
32. DEATH OF A COP
Date de diffusion : 24 mai 1963 Auteur : Leigh Brackett Réalisateur : Joseph M. Newman Policier vétéran et exemplaire, le détective Paul Reardon a la douleur de perdre son fils, également membre du LPAD .Celui-ci a été exécuté par une bande de voyous à la solde de trafiquants de cocaïne. Afin de procéder leur arrestation, il va mener un combat qui va progressivement l’éloigner du respect de la loi, jusqu’à devoir démissionner, en vain. Il va alors tendre un ultime piège aux assassins de son fils. On reprochera à l’intrigue de ne pas parvenir à s’extraire de nombreux lieux communs et clichés divers des récits de policiers et de gangsters. La plupart des scènes ici découvertes ont été maintes voies vues ailleurs, autour de personnages interchangeables à volonté : les voyous insolents, les avocats marrons, les trafiquants uniquement intéressés par leur commerce illégal, les policiers blanchis sous le harnais… Rien de nouveau sous le soleil. Mais la mise en scène sait jouer habilement de cet environnement archétypal pour instaurer toute une ambiance. Surtout, à ses meilleurs moments, l’épisode parvient à acquérir une dimension supplémentaire grâce à l’éloquent portait psychologique d’un protagoniste en plein désarroi existentiel, incapable de faire face à son sentiment de culpabilité et progressivement broyé par une vendetta l’entrainant toujours plus à la dérive. Si on n’échappe pas à une certaine théâtralité, la remarquable composition de Victor Jury demeure un atout majeur pour l’opus. Ainsi que des dialogues sonnant justes et jamais grandiloquents. La solution ultime lui permettant de conjuguer ses impératifs moraux et sa soif de vengeance ne manque ni de grandeur ni de sens tragique.
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