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1) Bons baisers de Russie : Le film tient toutes les promesses perceptibles dès Docteur No tout en achevant de mettre en place l’univers cinématographique de James Bond. Le mythique SPECTRE est pleinement révélé, nous valant une brochette absolument exceptionnelle d’antagonistes, la quintessence des 60’s de ce point de vue. Le récit revêt la forme d’un passionnant périple exotique, pimenté par la beauté des paysages, d’époustouflantes scènes d’action, et la complicité canaille entre 007 et Ali Kerim Bey. Le charme de Tatiana Romanova éclate a chaque image, tandis que la belle participe davantage à l’action qu’Honey Rider. Connery confirme sa vitalité et son charisme hors normes au cours de la plus inoubliable des aventures de James Bond.

2) Goldfinger : Le formidable partenariat entre l’extraverti Goldfinger et le mutique Oddjob grave dans le marbre le duo « génie du mal/tueur invincible » qui va imprimer sa marque à la saga. Les scènes cultes abondent tandis que la DB5 devient d’emblée le véhicule définitif de James. Le scénario place astucieusement James Bond dans une situation délicate, ce qui accroît encore le suspense. Avec Pussy Galore, Honor Blackman campe sans doute la plus marquante des Bond Girls, avec l’atout supplémentaire d’un écho de la personnalité bien trempée de Mrs Catherine Gale, première partenaire féminine de John Steed. L’association avec Connery fonctionne parfaitement, mais on peut regretter que Pussy perde tout intérêt dès lors qu’elle est séduite par Bond.

3) On ne vit que deux fois : L‘archipel nippon apporte une précieuse spécificité à cette aventure de 007, entre passionnante relation de l’émergence du Japon technologique, exotisme joliment rendu dès le magnifique générique, ou solidarité insulaire manifestement ressentie par Ian Fleming et exprimée par la complicité entre Tanaka et Bond. La bataille aérienne ou le mémorable assaut de la base du SPECTRE composent de superbes morceaux de bravoure. Les James Bond Girls locales résultent absolument charmantes. Donald Pleasence nous offre la version la plus grandiose de Blofeld, demeurée la plus remémorée au fil du temps, tandis que son organisation figure au faîte de sa puissance. Il demeure toutefois assez seul, ses sbires paraissant peu relevés.

4) L'Espion qui m'aimait : Le film demeure sans doute le plus réussi de l'ère Roger Moore. Entre Égypte antique et univers marin, il sait multiplier les images spectaculaires et dépaysantes. Moore forme un parfait duo avec Barbara Bach. La robe de soirée d’Anya Amasova demeure inoubliable tandis que le charme féminin se voit également dignement représenté par les apparitions de Caroline Munro et de Valerie Leon. Plusieurs grandes scènes d’action complètent également le spectacle, l’assaut du bateau amiral de Stromberg s’imposant comme un modèle du genre, et Jaws se hissant d’emblée à la hauteur des meilleurs adversaires de 007. Comme génie du mal, Curd Jürgens apparaît toutefois un peu éteint.

5) Skyfall : Parfaitement ajusté au cinquantenaire de la saga, le film poursuit le parcours du 007 de Craig tout en l’entremêlant habilement au petit monde de l’Universal Exports des débuts. Au-delà des clins d’œil au passé, les différents personnages (tonique Moneypenny, transition d’un M à l’autre...) se voient bien gérés tout au long d’une aventure très rythmée. Javier Bardem campe un fascinant adversaire, le plus notable depuis longtemps. Les impressionnantes localisations (Glen Coe, Hashima, Londres...) rehaussent les débats. Quelques faiblesses transparaissent dans le scénario mais Skyfall présente l’immense mérite de remettre James Bond en selle après le fiasco de Quantum of Solace.

6) Permis de tuer : Le film donne la part belle au talent de Timothy Dalton, sans doute l’interprète de James Bond à la palette la plus riche. Placer 007 en rupture de ban renouvelle agréablement la saga même si le récit relativise quelque peu cet élément au fur et à mesure de sa progression. Q répond d’ailleurs à l’appel, avec cette fois une savoureuse participation approfondie à l’aventure. Le film surfe un peu trop sur l’air du temps (passages très Miami Vice) mais compte de spectaculaires scènes d’action, dont le mémorable final. Le méchant, impeccablement incarné par Robert Davi, se montre suffisamment complexe pour encore hausser les débats.

7) GoldenEye : Le film parvient à relancer la saga après un long hiatus tout en plaçant en orbite Pierce Brosnan dans le rôle de James Bond. Outre de nombreuses scènes particulièrement spectaculaires, son succès se base sur un scénario astucieux, la description de la Russie post-soviétique insérant le film dans la modernité de 1995. Le film vieillit bien grâce au talent de Brosnan, mais aussi par sa galerie très réussie de seconds rôles. Les vilains se montrent en particuliers fort gouleyants, élément clef d’un James Bond réussi. Les images de synthèse entrent en scène de manière réussie, leur surenchère ne deviendra vraiment gênante que par la suite.

8) Opération Tonnerre : Comme la plupart des films de Sean Connery, celui-ci bénéficie de l’atmosphère unique des Sixties, si propice aux récits d’aventures. L’acteur apporte toujours son charisme et sa vitalité au personnage tandis que le SPECTRE se voit de nouveau brillamment utilisé comme puissance hostile et comme galerie de portraits d’intéressants psychopathes (mention spéciale à Fiona Volpe, encore à ce jour la meilleure Bad Girl de la saga). Si la mise en scène se montre électrique, on regrettera l’enchâssement de l’action dans une poignée de lieux répétitifs, des passages sous-marins surabondants et désormais vieillis, ainsi que la fadeur de Domino.

9) L'Homme au pistolet d'or : La présence du regretté Christopher Lee apporte immensément à Scaramanga et à l’ensemble d’un film jouant admirablement de son opposition avec Roger Moore. L’intrigue peine toutefois à se développer au-delà de ce thème et souffre de références opportunistes à la mode des films de Kung-fu. Quelques éléments humoristiques se voient également greffés, mais avec un succès inégal. La mise en scène demeure efficace et la Baie d’Ha Long compose l’un des plus beaux décors naturels de la saga, mais il est regrettable que le duel final, tant attendu, se limite pour l’essentiel à une resucée de la scène pré-générique.

10) Spectre : Le film présente évidemment comme difficulté de succéder à l’immense succès public et critique de Skyfall. S’il évoque d’abord Quantum of Solace par une frénétique succession de sauts d’un pays à l’autre, cette première partie manifeste ici bien davantage de dynamisme. De plus, on se situe dans la continuité de l’excellent Skyfall pour la somptueuse mise en scène de Mendes et le portrait d’un 007 sachant, tout comme M et son équipe, opérer un retour aux sources tout en intégrant la modernité. Daniel Craig apparaît ici au sommet de son art et de son interprétation de Bond. Il forme un parfait duo avec l’épatante Léa Seydoux campant une Bond Girl enthousiasmante et contemporaine. On regrettera toutefois quelques errements dans l’écriture du Blofeld de Waltz ainsi qu’un SPECTRE moins flamboyant que naguère.

11) James Bond contre Dr No : Le premier opus de la saga souffre d’un budget relativement modeste, et doit de ce fait limiter ses ambitions en matière de décors et de scènes d’action. Il parvient néanmoins à édifier les fondations de la saga, avec le portrait réussi du James Bond cinématographique et d’un déjà remarquable adversaire, premier d’une longue lignée. Le scénario, plaisamment 60’s, se montre tonique, mais aussi très segmenté. Le film doit hélas composer avec le boulet Honey Ryder, totalement inerte et dépositaire de tous les clichés machistes imaginables. La piquante Sylvia Trench aurait bien davantage pimenté l’aventure, en partenaire de James Bond.

12) Tuer n'est pas jouer : Timothy Dalton opère une convaincante entrée en lice, avec une palette de jeu particulièrement riche et la somptueuse scène de Gibraltar. Maryam d’Abo séduit plutôt par sa fraicheur et sa beauté mais le duo fonctionne correctement. Toutefois, le film se caractérise par une vision romantique (hollywoodienne) du conflit afghan et pâtit particulièrement de méchants bien peu savoureux et manquant d’envergure, avec à la clef un affrontement final passablement ridicule. La bande son se montre toutefois somptueuse, se joignant à plusieurs très belles scènes d’action.

13) Le Monde ne suffit pas : Le film bénéficie de l’apport de deux méchants de haut vol avec l’énigmatique Renard, interprété par l’épatant Robert Carlyle, et la flamboyante Elektra, avec laquelle notre Sophie Marceau nationale réalise une prestation aussi surprenante que convaincante. Le scénario se montre astucieux, nous valant un twist tonitruant et une M bien davantage impliquée qu’à l’ordinaire dans l’action. On retrouve toutefois les tics de l’ère Brosnan : coller à tout crin à l’air du temps (y compris Lara Croft) et doper l’action jusqu’au ridicule grâce aux effets spéciaux numériques et des décorums de Science-fiction.

14) Dangereusement vôtre : Le film présente le grand mérite de permettre à Roger Moore de quitter la scène sur un opus honorable. L’aventure a du souffle, le péril de la faille de San Andreas parlant naturellement au public américain. Si Moore apparaît effectivement trop âgé pour le rôle, il conserve de l’allant, et le découvrir en duo avec Patrick Macnee ravira les amateurs des Sixties, même si ce dernier aurait pu être davantage présent. Christopher Walken donne une dimension supplémentaire à un Mastermind digne de cette décennie, mais néanmoins inséré de manière plaisante dans les 80’s. On regrettera toutefois que l’affrontement promis avec May Day n’ait pas lieu.

15) Les Diamants sont éternels : Sean Connery revient pour un ultime opus (officiellement...), mais ne retrouve pas son style coutumier, avec une tonalité du récit plus humoristique qu’à l’accoutumée qui conviendra sans doute davantage à Roger Moore. Cette évolution conduit à des résultats mitigés concernant l’opposition. Si le duo de tueurs clairement homosexuels a de bons moments, il n’était pas absolument nécessaire de grimer Blofeld en travesti. Le film tire un bon parti de Sin City. Tiffany est charmante, mais l’on se souviendra d’Abondance, si sympathique belle-de-nuit des casinos, dont le triste destin constitue le moment le plus dramatiquement intense de ce 007 rigolard.

16) Rien que pour vos yeux : Le film délaisse les grandioses conspirations des génies du mal pour en revenir à un récit d’espionnage solide et éprouvé. Il souffre néanmoins d’un interminable film publicitaire à la gloire de la station de Cortina d'Ampezzo, tandis que le talent de Carole Bouquet résulte encore novice. Roger Moore assure néanmoins le spectacle, avec l’aide de comédiens chevronnés tels Julian Glover, bien connu des amateurs des Avengers. La Deux-chevaux demeure sans doute le véhicule le plus improbable pour James Bond mais la poursuite s’avère prenante, de même que l’ascension finale.

17) Demain ne meurt jamais : Le scénario du film souffre cruellement d’un manque d’originalité puisque se limitant à un mix de On ne vit que deux fois et de L'espion qui m'aimait. La volonté de coller à l’air du temps et aux médias modernes n’apporte pas un second souffle, de même que la volonté manifeste de doper la dose de violence ou le placement de produits. Jonathan Pryce et la formidable Michelle Yeoh apportent une vraie présence à leurs personnages, tandis que Brosnan demeure sobrement efficace. Stamper compose un tueur trop mécanique et impersonnel. 

18) Moonraker : Le film flirte par trop avec la Science-fiction pour ne pas dénaturer l’univers de James Bond, afin de profiter opportunément du succès de Star Wars. La qualité des décors demeure toutefois au rendez-vous. Holly Goodhead ne laisse pas un souvenir impérissable comme Bond Girl. Fort heureusement, l’excellent Michael Lonsdale renouvelle la figure du Mastermind extraverti, avec un Drax au délire froid. Il forme une belle opposition avec le Bond pince-sans-rire de Roger Moore. La romance entre Requin et sa blonde élue se montre confondante d’humour pataud.

19) Vivre et laisser mourir : Le film vaut par l’arrivée convaincante d’un Roger Moore se glissant avec naturel dans un rôle auquel il imprime d’emblée sa marque. Le duo formé avec Jane Seymour ne manque pas de charme, Solitaire demeurant une fascinante Bond Girl. Toutefois la production cède par trop à la tentation de suivre une mode, la Blaxploitation, ce qui le date terriblement aujourd’hui. Au-delà de l’argument de la double identité du méchant, 007 n’affronte en définitive que de simples gangsters, et les scènes de transe vaudoue font toc au possible.

20) Octopussy : Le kitsch hindou ensevelit le film sous les paillettes, de même que le commando féminin d’Octopussy, sans parler de sa galère. Par ailleurs, le regretté Louis Jourdan n’est absolument pas dans son emploi en Diabolical Mastermind et son second relève franchement du Nanar. Si on apprécie l’humour coutumier de Roger Moore, il faut bien constater que le scénario présente des failles et verse trop souvent dans le gag assez balourd. Demeurent de superbes paysages, plusieurs scènes spectaculaires, et deux protagonistes féminins de qualité, avec Octopussy et son redoutable bras droit.

21) Au service secret de Sa Majesté : Le film se voit plombé d’entrée par le manque de présence et le talent minimaliste de Lazenby, ainsi que par un scénario inefficace. Le complot de Blofeld frappe moins les esprits que précédemment, et lui-même, malgré le talent de Telly Savalas, se voit réduit par le ridicule de l’héraldique. Il faut aussi attendre beaucoup trop longtemps pour découvrir une scène d’action digne de ce nom, et les dialogues cette fois ne pétillent que rarement. Malgré un final émouvant et la présence de Diana Rigg, la romance entre Bond et Tracy relève d’une eau de rose vraiment sucrée.

22) Casino Royale : Les interminables parties de cartes, statiques et incompréhensibles pour le non initié, suscitent autant de scènes ennuyeuses. Par ailleurs, on n’adhère pas au concept d'un Bond transformé en froide machine à tuer, de plus privé de dialogues avec Q et Moneypenny. Toutefois Daniel Craig accompagne à merveille cette vision et excelle dans les scènes d’action. Le Chiffre suscite peu de réel intérêt, on préfère des adversaires dominateurs plutôt que traqués. La meilleure surprise du film demeure Vesper Lynd, avec un grand numéro de charme et d’émotion de la part de la talentueuse Eva Green.

23) Jamais plus jamais : Une production compliquée et le manifeste manque d’implication du metteur en scène réduisent considérablement l’impact d’un film pourtant doté de moyens conséquents. Le film s’écoule paresseusement, malgré des acteurs talentueux. L’évident carton-pâte de la grotte où se déroule l’affrontement final se montre particulièrement navrant, de même que la partie de jeu vidéo totalement hors sujet. La comparaison avec son modèle de ce remake d’Opération tonnerre achève le film. Reste évidemment le plaisir de retrouver Sean Connery, qui confirme l’option plus humoristique des Diamants sont éternels.

24) Meurs un autre jour : Les tendances à la surenchère visuelle et aux images générées par ordinateurs, sans cesse accentuées durant l’ère Brosnan, atteignent ici leur summum, avec de nombreuses scènes totalement hors-sujet dans un James Bond et relevant davantage de la Science-Fiction. Halle Berry a du talent, mais Jinx se limite à un amoncellement de clichés, à l’instar du scénario. Brosnan se voit cantonné à un support d’effets spéciaux. Grâce à la remarquable Rosamund Pike, Miss Frost soutient le film à bout de bras et lui vaut ses meilleures scènes.

25) Quantum of Solace : Le film se réduit à un interminable et onéreux dépliant touristique, les destinations se démultipliant au fil d’un scénario des plus creux. Toutes les prétentions exprimées se dégonflent les unes après les autres, comme celle aspirant à la modernité alors que l’Amérique latine se voit présentée par des clichés hors d’âge. Olga Kurylenko n’exprime ici aucun talent et Matthieu Amalric n’exprime aucunement l’aura que tout adversaire de 007 se doit de posséder. L’à peu près seul moment du film où l’on retrouve une tonalité de James Bond reste la rencontre avec la piquante Strawberry (impeccable Gemma Arterton), mais cela demeure bien éphémère. 

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1. GoldenEye (GoldenEye) – 1995

2. Demain ne meurt jamais (Tomorrow never dies) – 1997

3. Le monde ne suffit pas (The world is not enough) – 1999

4. Meurs un autre jour (Die another day) – 2002

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1. GOLDENEYE
(GOLDENEYE)

Scénario : Jeffrey Caine et Bruce Feirstein, et Michael France (non crédité) et Kevin Wade (non crédité), d'après une histoire de Michael France
Réalisation : Martin Campbell

- I might as well ask you if all those vodka Martinis ever silence the screams of all the men you've killed... Or if you find forgiveness in the arms of all those willing women for all the dead ones you failed to protect.

Le 17 novembre 1995, le prince Charles, comme la coutume s'en est désormais instituée, préside la première londonienne des nouvelles aventures de James Bond. À cette occasion, le public découvre une nouvelle incarnation du héros après seulement deux participations de Timothy Dalton et surtout après que le considérable laps de temps de six années (1989-1995) se soit écoulé depuis le dernier opus de la saga.

Ce grand hiatus (comme diraient nos Holmésiens) se doit principalement à des péripéties judiciaires assez navrantes, mais influe considérablement sur la conception de GoldenEye. Dalton ayant estimé trop long l'écart avec Permis de Tuer, Pierce Brosnan, débarrassé de Remington Steele, s'empare enfin du rôle qu'il avait naguère frôlé (avec au passage le même défilé d'improbables prétendants que de coutume). Ces six années de latence voient également s'estomper des figures majeures de la saga, avec notamment le décès du scénariste tutélaire Richard Maibaum et le retrait de l'emblématique Richard Broccoli pour raisons de santé, au profit de sa fille Barbara. La nouvelle équipe compose avec des conceptions différentes, d'autant que durant cette longue parenthèse le monde a changé.

Effectivement le Mur de Berlin est tombé, l'URSS s'est effondrée alors que son pourrissement interne était déjà annoncé dans Tuer n'est pas jouer. Dès lors, on perçoit le risque que cet héros de la Guerre Froide qu'a toujours constitué James Bond dès les romans de Fleming apparaisse archaïque (M adressera un clin d'œil très malin à ce sujet au cours du film). À cela vient s'ajouter l'émergence durable de la concurrence des blockbusters américains de Willis, Stallone, Gobernator, et consorts, menace d'autant plus sensible qu'elle recoupe le box office (relativement) décevant de Permis de Tuer aux États-Unis. C'est bien la jeunesse américaine qui devient ainsi le cœur de cible des productions à gros budget, une donnée majeure à prendre désormais en compte, avec un impératif concomitant de surenchère dans le spectaculaire…

Face à ce contexte, où la poursuite même de la saga peut s'envisager comme sujette à caution, les producteurs, supérieurement habiles, vont donner une nouvelle impulsion. Celle-ci se compose d'un retour aux valeurs sûres après les expérimentations de l'ère Dalton, accompagné d'une mise au goût du jour astucieuse de 007, et d'une recherche à tout crin du sensationnel.

Ce dernier point impose une inflation budgétaire, soutenue notamment par une exacerbation du placement de produits (jusqu'à des moments particulièrement aventureux) ainsi que par un battage médiatique absolument sans précédent autour de la promotion du film. Cette problématique va s'incarner avec un indéniable talent dans l'intrigue et la mise en scène de GoldenEye.

Son scénario reste l'un des atouts majeurs du film. Si l'on considère le récit comme l'art du dévoilement, alors GoldenEye reste un chef-d'œuvre du genre, ménageant à merveille ses effets et ses révélations, parfaitement imaginatif et clair malgré une certaine complexité. Les accroches brèves et tranchantes propres au style Bond perdurent et même se multiplient au cours d'excellents dialogues, donnant lieu à un feu d'artifice permanent.

L'écriture du film a de plus l'idée géniale de transmuer une faiblesse en force en saisissant à bras le corps la donnée majeure du post soviétisme, donnant lieu à une passionnante épopée de 007 pour la première fois au sein de l'ex « Empire du Mal ». Finement joué, d'autant que cela n'exclut pas une affirmation des riches heures de la saga par l'évocation de plusieurs totems.

Entre autres exemples, on assiste donc au retour de la mythique DB5, absente depuis Opération Tonnerre, toujours aussi somptueuse et parfaitement adaptée à 007 (cette voiture a définitivement quelque chose en plus), une ficelle que l'avènement de Daniel Craig emploiera de nouveau. On renoue également avec le repaire colossal du méchant du jour, que Bond va bien entendu détruire de fond en comble… Un aspect considérablement mis en sourdine durant la période Dalton.

Assurer la survivance de la saga en capitalisant sur ses fondamentaux tout en intégrant harmonieusement les temps nouveaux relevait d'une gageure que GoldenEye réussit très largement. Peu importe en comparaison la contradiction avec les systèmes électroniques immunisés contre l'IEM décrits dans Dangereusement vôtre ou l'aspect explosif absurde de celle-ci…

Martin Campbell, lui aussi nouvel arrivé dans une maison Bond traditionnellement très familiale (aspect que l'on apprécie vivement), apporte également sa contribution en matière d'innovations. Cela éclate lors d'une séquence d'ouverture particulièrement spectaculaire, destinée à frapper les esprits pour réaffirmer dès le début que le « vrai 007 », surhumain, est de retour. Et qu'il n'est pas content. L'ensemble ressort parfaitement palpitant et déjà relevant du très grand spectacle. On reproche souvent le caractère improbable de la récupération de l'avion en moto ; effectivement on franchit un palier, même si la vraisemblance n'a jamais représenté une vertu majeure de la saga ; mais ce qui dérange surtout demeure l'introduction des images de synthèse.

Cette technique, si correctement maîtrisée et encadrée, ouvre certes de nouveaux horizons, mais aussi la porte à une dangereuse surenchère au fil de la recherche toujours accrue de spectaculaire. Ici débute un chemin conduisant à une scène aussi ridicule que celle voyant Bond surfer sur un tsunami (entre autres facéties) qui ne suscitera jamais que des sourires navrés et passablement effondrés. Les cascades humaines de jadis semblent d'un impact supérieur et interdire ce genre de délire inepte.

Néanmoins, ces effets générés par ordinateur développent une nouvelle esthétique, donnant lieu à un générique audacieux renouvelant fort agréablement le genre : décidément une caractéristique de ce film. Le flamboiement des diverses saynètes rappelle encore une fois astucieusement la chute du bloc adverse tandis que retentit la formidable chanson de Tina Turner. On se montrera nettement plus réservé à propos des synthétiseurs d'Éric Serra quelque peu hors de propos et ayant déjà bien vieilli (ne serait-ce qu'en évoquant Le Grand Bleu…). Une faute de goût très rare parmi les nombreuses innovations tous azimuts tentées par la production, et à laquelle celle-ci mettra vite un terme par l'entrée en scène prochaine de David Arnold, généreux symphoniste très similaire à l'écoute de la tradition de John Barry.

Par la suite, la réalisation de Campbell, malgré un léger tassement de l'intrigue en milieu de parcours, aligne avec une totale réussite les morceaux de bravoure. Il en va ainsi de cette prenante séquence de poursuite automobile ouvrant idéalement les débats et très nettement supérieurement filmée et montée comparativement à son équivalent du calamiteux Quantum of Solace. Les aficionados y reconnaîtront une similitude troublante avec le lancement d'Amicalement vôtre, un clin d'œil à Roger Moore ? Ces moments d'action particulièrement nombreux constituent l'un des éléments premiers de la réussite de GoldenEye, notamment le proverbial affrontement final, impeccablement mis en scène. On dénote cependant ici ou là, encore mineure en cette aurore réussie de la période Brosnan, la tendance à la préjudiciable exagération qui en deviendra la règle. C'est notamment le cas avec le passage du tank, longuet et trop jusqu'au-boutiste.

Une autre caractéristique négative demeure la part vraiment trop importante et visible revêtue par le placement de produits. De l'artisanat des débuts, ayant déjà connu une montée en puissance, on passe ici à quelque chose de réellement pénible, avec des scènes purement gratuites conçues en ce seul but. Il en va ainsi de l'irruption d'une eau gazeuse française, d'un fabriquant de montre se substituant ostensiblement à une autre, ou de la présentation d'une voiture de marque allemande (sacrilège !) alors que ce véhicule n'accomplira finalement qu'une apparition de quelques instants relevant de l'alibi. Sans grever réellement l'intérêt du film, tout ceci agace car finissant par menacer la dimension britannique du héros et rejoignant la logique de « la part de cerveau disponible » propre à la TV. À quand la coupure pub au beau milieu de la projection en salle d'un 007 en relief ?

Utilisant à merveille les différentes cordes à son arc dont des maquettes étonnantes de réalisme, des décors (le cimetière des idoles soviétiques), et des paysages superbement mis en valeur, le film renouant avec l'atout traditionnel des voyages à travers le vaste monde (Monaco, Sibérie, Saint-Pétersbourg, jungle tropicale…), la mise en scène de Campbell demeure un vrai modèle de dynamisme et d'efficacité. Il n'est guère étonnant que la production fît de nouveau appel à lui à l'occasion de Casino Royale et d'un nécessaire redémarrage de la saga !

Pierce Brosnan, débarrassé de la mièvrerie inhérente à Remington Steele, s'impose comme le parfait véhicule pour un James Bond reconfiguré comme un héros invincible mais tout de même moins monolithique (et machiste) qu'à l'époque Sean Connery. Entre le Bond très humain et tourmenté de Dalton et le héros marmoréen des Sixties, il accomplit un recentrage très astucieux, dans l'air du temps (plus proche du second que du premier, néanmoins). Il maintient également la précieuse identité et la classe britanniques de 007, l'empêchant de se fondre parmi les autres blockbusters, non sans montrer à l'occasion un humour et une fantaisie que n'aurait pas reniés Roger Moore. Du bel ouvrage, on sent bien qu'un intense travail de réflexion sur la nature et le devenir de la série a eu lieu en coulisse, et cela fonctionne grâce à l'équilibre quasiment parfait du film.

Ses différents alliés se montrent également à la hauteur, notamment les figures récurrentes de la saga. Q se révèle toujours en pleine forme malgré le passage des ans. Même s'il se voit recentré sur la présentation rituelle des gadgets, sa scène demeure particulièrement divertissante, comme toujours.

On est plus réservé envers Moneypenny, Samantha Bond ne valant pas la charmante Caroline Bliss et n'ayant surtout pas grand-chose à défendre à part quelques phrases convenues et plates. Visiblement, la production ne sait plus trop quoi faire du personnage… on lui préfèrera la très amusante psychologue, ouvrant le film sur une scène pétillante faisant d'emblée la conquête du spectateur !

Une grande innovation survient avec la découverte d'un nouveau M, cette fois au féminin, une grande première dans la saga (les Avengers ont par contre connu Father dès les années 60…). Cet évènement illustre la volonté de la production de s'enraciner dans son temps car il recoupe l'actualité, Stella Rimington étant devenu dans le monde réel la première femme à diriger le MI6.

Le film met toutes les chances de son côté en ayant recours à l'une des plus grandes comédiennes du théâtre anglais en la personne de Dame Judy Dench. Elle donne une force de conviction particulièrement intense à son personnage, notamment lors d'une confrontation magnifiquement écrite avec 007. Toutefois, très subjectivement, on avouera une préférence sans doute nostalgique pour les duels amicaux avec le M de Bernard Lee. De même que pour les bureaux cossus et très anglais d'Universal Exports, ici remplacés par un édifice spectaculaire mais considérablement plus froid. 

Leiter étant désormais indisponible suite aux évènements de Permis de tuer, il se voit remplacé par un duo particulièrement drôle, composé du très malicieux Wade (Joe Don Baker, bien meilleur que dans Tuer n'est pas jouer) et surtout l'incroyable Valentin. L'imposant Robbie Coltrane (le Hagrid des Harry Potter entre autres joyaux) réussit une performance énorme, provoquant de sonores éclats de rire au cours d'une scène aux dialogues finement ciselés. On applaudit des deux mains !

Tchéky Karyo accomplit une apparition courte mais également remarquable. Un autre personnage captivant est la Bond Girl du jour, incarnée par la très belle et réellement douée Izabella Scorupco. Évolution oblige, 007 paraît toujours aussi viril mais nettement moins macho. Natalya Simonova se débrouille par elle-même avant que de rencontrer Bond et lui apporte une aide précieuse par la suite, s'imposant comme une participante à part entière dans l'action. Ses amusantes bouffées de colère ne sont d'ailleurs pas sans évoquer celles de Cathy Gale face à John Steed, la romance en moins…

Que Scorupco n'ait guère poursuivi plus avant sa carrière (elle jouera cependant une mémorable espionne passée du côté obscur dans un épisode d'Alias) laisse des regrets car elle parvient à faire exister son personnage face au cyclone de feu et de sexe que représente la démoniaque Xenia Onatopp, l'une des plus grandes réussites de GoldenEye. La sensualité et la personnalité hors normes de Famke Janssen crèvent l'écran dans ce personnage transgressif de femme cruelle et perverse, tueuse d'élite assassinant comme elle respire. On n'avait simplement rien vu d'équivalent depuis l'inoubliable Fiona Volpe d'Opération Tonnerre, et Xenia demeure bien l'une des Bond Girls adverses les plus inoubliables qui soient.

Le film pousse son audace jusqu'à se livrer à des scènes sadomasochistes, explicites à un niveau inédit dans la série et qui vaudront au film une interdiction aux moins de 12 ans. Un coup de maître, qui propulsera Janssen en tant que spécialiste des rôles forts comme lors du très particulier Nip/Tuck ; sans doute l'un des plus beaux exemples de reconversion réussie, et méritée, d'une Bond girl. Du fait de la confrontation bipolaire entre ces deux dames et de l'adéquation de l'univers aux temps nouveaux, les autres éléments féminins apparaissent très rares, mais qu'importe.

« Meilleur est le méchant, meilleur est le Bond » demeure un adage vérifié quelles que soient les circonstances, et les petits camarades de Xenia parachèvent le succès de GoldenEye. En général ambitieux, brutal, mais loin d'être idiot, Ourumov perpétue la grande tradition des officiers soviétiques félons initiée depuis Bons Baisers de Russie. Ce personnage très astucieux permet de faire perdurer l'ennemi soviétique dans un monde ayant changé. Le maintien dans l'évolution, tel est décidément le secret de la réussite du film.

En hacker passé du côté obscur de la Force, Boris Grishenko illustre de manière particulièrement pertinente les clichés de cette époque de triomphe de l'Internet, ce qui lui vaudra une vraie popularité dans le milieu, d'autant qu'Alan Cumming, à l'orée d'une carrière remplie de prestations extrêmement fines, se montre totalement déchaîné dans ce rôle jouissif. Le film intègre par ailleurs pleinement les innovations technologiques récentes. On ne peut s'empêcher de penser à un certain Ringo Langly et on s'amuse beaucoup de voir le référentiel « Trust no none » s'afficher sur l'écran d'un ordinateur !

Janus, même un peu jeune pour son historique remontant à la Guerre, s'affirme néanmoins comme le personnage le plus marquant parmi les adversaires. Cette idée d'un miroir obscur brandi devant 007 s'avère tellement efficace que l'on s'étonne que les producteurs ne l'aient pas eue auparavant. Cette confrontation à une Némésis inversée, liée par une haine personnelle, a toujours donnée de grands résultats par le passé, que cela soit Steed face à Beresford ou lors de l'opposition entre le Docteur et le Maître. Il existe une filiation directe entre les Time Lords et les Double Zéro antagonistes, avec à la clef la même dramatique intensité. D'autant que le formidable Sean Bean excelle dans un rôle exprimant une attraction encore plus totale pour le mal que ce que ressentira plus tard Boromir le Brave. Contrairement au Glaive du Gondor, Alec Trevelyan ne connaît pas la rédemption, ce qui convient parfaitement à l'univers de Bond.

En définitive, GoldenEye, deuxième film extérieur à l'œuvre de Fleming, apparaît comme une équation parfaitement agencée, alliant maintien des valeurs les plus sûres de 007 à une ouverture aboutie sur le monde contemporain. L'accent est mis sur le spectaculaire, mais demeure encore dans ce que l'on peut accepter dans le cadre du personnage. Le ver est cependant dans le fruit, et, si la saga est relancée, les films suivants de Brosnan manifesteront un emballement croissant et néfaste de cette belle mécanique.

GoldenEye marque une sensible croissance du budget comparativement à Permis de tuer (et cela ne fait que commencer), passant de 40 à 60 millions de dollars. Il connaît un triomphe public, récompensant ses choix audacieux et bien inspirés. Il récolte ainsi 351,3 millions de dollars, soit considérablement plus que les 156,2 de Permis de tuer, même en tenant compte de l'inflation. Le record jusque-là détenu par Moonraker (202,7 millions de dollars de l'époque) est dépassé, confirmant Brosnan dans son nouveau statut. Le succès est équivalent en France, où l'on atteint 3 489 833 entrées contre 2 093 006 précédemment.

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2. DEMAIN NE MEURT JAMAIS
(TOMORROW NEVER DIES)

Scénario : Bruce Feirstein
Réalisation : Roger Spottiswoode

-There's no news like bad news!

Alors que l'on en revient à un rythme bisannuel, le 9 décembre 1997 se déroulait la première londonienne des 18èmes aventures de James Bond. Une interrogation s'imposait : Demain ne meurt jamais allait-il rééditer le succès innovant de GoldenEye, ayant permis une vraie relance de la franchise ?

Il nous faut vite déchanter, le suivisme constituant la caractéristique principale du film, panaché d'une accentuation de différents excès encore seulement pressentis dans GoldenEye.

Tout d'abord, après l'intrigue notablement originale de l'opus précédent, et hormis l'amusante originalité d'un adversaire patron de presse, l'on en revient à des situations particulièrement éprouvées. La machination ourdie par Carver ressemble tout de même énormément à celles observées dans On ne vit que deux fois et dans L'espion qui m'aimait (avec également des éléments maritimes pour ce dernier). Si l'on apprécie, le plus souvent, les éléments rituels de 007, on goûte néanmoins un minimum de renouvellement dans la trame des péripéties. Mais, sans besoin aller jusqu'à invoquer les classiques, Demain ne meurt jamais se positionne déjà très exactement dans le sillon tracé par GoldenEye.

Il en va ainsi pour l'ouverture à l'actualité internationale (émergence de la Chine comme nouveau géant adverse, développement de groupes de presse colossaux), mais également l'addiction aux technologies les plus dans l'air du temps. Après les affrontements entre hackers au sein du cyberespace, on passe sans coup férir au développement du multimédia et des réseaux satellitaires, ainsi qu'à l'irruption du téléphone portable, sous un angle d'ailleurs particulièrement tape-à-l'œil.

C'est bien une impression de redite qui prédomine. Dès son deuxième épisode, la période Brosnan s'installe dans la reproduction sans cesse ressassée de son modèle initial sans qu'aucun effort réel de renouvellement ne soit tenté.

Une évolution existe bien, mais malheureusement il s'agit de l'exaspération toujours accentuée de la tendance déjà observée dans GoldenEye à privilégier l'action et la violence comme moteur essentiel du film. D'où une introduction dithyrambique, après laquelle le récit met résolument l'accent sur cet aspect, au prix de son intérêt propre. La seule spécificité du jour, la personnalité médiatique de Carver, nous vaut quelques scènes amusantes en première partie du film, mais se résume à bien peu de choses par la suite.

Certes l'on ne s'ennuie pas du fait de la qualité de ces scènes haletantes et pétaradantes, mais cette prédominance, outre la perte de subtilité inhérente du scénario, induit un dommageable appauvrissement de la nature de la saga. En effet, le succès et la particularité du britannique 007 reposent sur un alliage subtil, aux variables proportions, entre glamour, humour, et action. Ici ce dernier composant devient hypertrophié, réduisant tout autre à la portion congrue et tirant le film vers le blockbuster le plus traditionnel.

Supposant des moyens toujours plus conséquents pour frapper l'opinion (Carver ne le démentirait pas), cette dérive du tout spectaculaire s'accompagne de celle du placement de produits. On franchit de nouveaux paliers, avec une présence sans cesse davantage visible de partenaires traditionnels comme une vodka célèbre ou une montre aux plans médias avisés. On atteint cependant une forme de summum avec l'interminable pensum promotionnel de la BMW. Dans GoldenEye, on la voyait finalement très peu, au profit de la DB5 ; ici c'est précisément le contraire (encore une jolie écorne à la personnalité britannique de Bond).

Tout au long d'un véritable film de présentation de salon automobile, on assiste à un show envoyant par-dessus bord toute notion de pudeur, avec également une conduite au paddle de console de jeu représentant un bel exemple d'épate pour l'épate. On aboutit à ce couronnement qu'est l'image proprement hallucinante juxtaposant les publicités pour la BMW, une agence de location de voitures, et une firme suédoise de télécommunications, d'ailleurs liée depuis à Sony… On pense en avoir fini quand voici qu'à Saigon, 007 choisit soigneusement une moto et retient... une BMW. Rebelote, c'est reparti pour un tour ; Demain ne meurt jamais achève de se muer en dépliant publicitaire, et la production de se moquer de son public.

Évidemment, tout ne ressort pas désastreux dans ce film demeurant un Bond tenant ses promesses de spectaculaire et de dépaysement. D'excellentes idées comme la caméra subjective embarquée viennent, en partie seulement, compenser l'hyper violence et certaines invraisemblances comme cette moto se glissant sans dommages à 10 cm sous les pales d'un hélicoptère. Si on regrette le choix trop marqué de l'action phagocytante, d'ailleurs de plus en plus affirmé en cours du récit, ces passages demeurent des plus efficaces grâce à la réelle vista de Roger Spottiswoode.

Malgré sa prédilection pour la pyrotechnie et les douilles se déversant à flots sur le sol, celui-ci parvient à nous faire ressentir le modernisme de Hambourg, l'exotisme de Saigon, ou la beauté sans pareille de la Baie d'Ha Long (sans oublier au passage un joli clin d'œil à James Bond Island). La dimension musicale compte également parmi les points forts de Demain ne meurt jamais, avec notamment la sublime chanson de Sheryl Crow accompagnant le superbe générique particulièrement imaginatif et d'une esthétique Cyber annonçant idéalement le film. On renoue également avec une bande-son renouant avec la grande tradition de Barry, grâce au grand talent de David Arnold.

Pierce Brosnan continue à défendre avec efficacité son personnage, même si l'on regrette le supplément d'âme et de personnalisation du jeu qu'apportait Timothy Dalton. Celui aurait permis de combattre bien plus effectivement cette tendance lourde conduisant à assimiler 007 toujours davantage à un héros standard de blockbuster. Il faut voir 007 déambuler une arme à feu dans chaque main à travers le navire de Carter transformé en enfer, un savant mélange du Terminator et de John McClane (certes deux excellents rôles, mais aux antipodes de Bond). Brosnan se coule avec trop d'impavidité dans ce moule, tout comme son personnage il fait « son job ».

Outre des dialogues toujours acérés, son 007 peut heureusement compter sur ses alliés coutumiers pour lui apporter quelques scènes relevées. C'est encore et toujours le cas de Q (hilarant passage des assurances), d'une M achevant de prendre ses quartiers, et du toujours très pittoresque Wade. Ces moments demeurent certes de vraies pépites, sans toutefois modifier le dessin général du film.

On se gardera d'y ajouter Moneypenny, aux allusions lourdes et salaces (on continue à naviguer à vue avec ce personnage), mais également Paris, à laquelle Teri Hatcher n'apporte pas grand chose (Sela Ward et Monica Bellucci furent auditionnées ; pour la seconde, elle était en avance de 20 ans). Ce personnage particulièrement falot et conventionnel n'existe à l'évidence que pour tenter désespérément d'insuffler un peu d'émotion à ce scénario terriblement mécanique et succinct, en personnalisant l'affrontement avec Carver. Une vieille ficelle de scénariste, ici particulièrement visible et pesante, illustrant éloquemment l'agencement peu inspiré de cette histoire.

Toutefois, ce sont bien deux autres personnages secondaires qui valent principalement à Demain ne meurt jamais de se regarder sans déplaisir. Il s'agit bien entendu de la féline Wai Lin et d'Elliot Carver.

Avec la grande dame du Kung Fu qu'est (avec Cynthia Rothrock) la sublime et si talentueuse Michelle Yeoh, c'est un peu de ces films d'arts martiaux de Hong-Kong bigarrés, imaginatifs, spectaculaires (joyeusement barrés), et sans équivalent en Occident qui débarque dans un univers de 007 en plaine standardisation par ailleurs. Même si les conventions d'un Bond rendent impossible une reconduction à l'identique, difficile de ne pas songer à des chefs-d'œuvre du gabarit de Yes Madam ou de Police Story 3 (sans même parler de Tigre et Dragon, etc.) lors de la scène où Michelle Yeoh brille de toute sa grâce implacable en corrigeant les sbires du général félon. À noter qu'à Hambourg, Michelle Yeoh arbore une tenue de cuir très Emma Peel !

Même si l'on demeure sans illusions sur les raisons commerciales du choix d'une actrice asiatique (comme du cadre de l'action principale), ce prodigieux casting transmute un choix marketing en atout artistique, une notable exception dans le schéma général de Demain ne meurt jamais ! Tout au long du récit, l'ancienne Miss Malaisie 1983 irradie positivement, même si l'on ressort quelque peu frustré de la voir retourner aux sempiternelles armes à feu après son éblouissante démonstration, malgré un lancer de shuriken bien ajusté comme on aime.

En la voyant effacer Brosnan jusqu'à quasiment supplanter 007, Wai Lin, tellement supérieure à Triple X, a dû provoquer quelques sueurs froides : finalement le mâle héros ira bien à la rescousse de la damoiselle en détresse. Quelle misère, on n'avait pas connu un tel sabotage de personnage depuis Pussy Galore. Tant pis pour le film qui saborde ainsi l'un de ses rares points forts.

Demain ne meurt jamais ne rate cette fois pas le coche avec Eliott Carver, un méchant enthousiasmant digne des grandes figures de la saga et sauvant le film du désastre. Le polymorphe et supérieurement doué Jonathan Pryce (Brazil, Évita, Ronin…) lui apporte un éclat, une saveur, et une dimension humaine jusque dans la folie tranchant formidablement avec ce film si peu ambitieux par ailleurs. Carver constitue une caricature de ces patrons de presse atteints par la folie des grandeurs et l'assurance de dominer l'actualité, comme le fameux William Randolph Hearst inspirant Citizen Kane, auquel une référence directe est faite en fin de film. Ce modèle se voit démultiplié par les techniques de communication modernes, une dimension parfaitement restituée tout au long du scénario avec notamment ces manchettes de journaux totalement mégalomanes, mais aussi cette conférence mondiale de rédaction renouvelant avec bonheur la mythique réunion parisienne du SPECTRE.

Au total, on découvre une dénonciation éloquente des manipulations de l'information que notre époque voit se multiplier, se joignant une nouvelle fois l'un des thèmes dans le vent du moment : le conspirationnisme alors porté par la vague des X-Files. L'épouvantable mort de Carver rejoint une autre grande tradition de la série… Une réserve toutefois, cette critique acérée de la toute-puissance médiatique ne peut que générer une certaine ironie quand l'on se remémore les battages insensés et tous azimuts accompagnement la sortie des James Bond, en particulier les récents…

Il s'avère heureux que Carver revête une telle ampleur car il ne peut guère compter sur l'appui de son tueur d'élite attitré pour animer le film. Stamper ne dégage rien à part des poncifs pesants et sans humour, d'autant que Götz Otto se montre terriblement démonstratif dans son jeu. On quitte les environs des blockbusters rivaux, qui réussissent souvent ce genre de figure, pour approcher dangereusement des douteux exploits d'un Dolph Lundgren.

Il en va tout autrement du délectable Dr. Kaufman, interprété par ce grand spécialiste des rôles hors normes qu'a toujours été Vincent Schiavelli. Certes, on se retrouve dans les clichés, mais le panache, le talent, et les dialogues font toute la différence. On rit d'autant plus qu'en VF le personnage se voit doté de la voix du Colonel Klink de Papa Schultz !

Ce film autant suiviste que GoldenEye fut innovateur, dont l'ambition essentielle consista à accumuler les explosions, pétarades et autres scènes chocs, mobilisa de ce fait un budget absolument sans précédent. Il totalisa 110 millions de dollars contre guère plus de la moitié pour son prédécesseur avec « seulement » 60 millions. Le succès fut une nouvelle fois absolument considérable, mais très légèrement inférieur à celui de GoldenEye avec 347 millions de dollars de recettes contre 351,3. La France maintient pareillement l'écho rencontré par le film avec 3 435 210 entrées contre 3 489 833 au préalable.

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3. LE MONDE NE SUFFIT PAS
(THE WORLD IS NOT ENOUGH)

Scénario : Neal Purvis & Robert Wade et Bruce Feirstein, d'après une histoire de Neal Purvis & Robert Wade
Réalisation : Michael Apted

- What's the story with you and Elektra?
- We're strictly plutonic, now.

James Bond achève le millénaire avec ce film dont la première londonienne se déroule le 26 novembre 1999. Après le bouillonnement créatif de GoldenEye, puis un Demain ne meurt jamais considérablement plus terne, Le Monde ne suffit pas (devise familiale) va tenter de trouver la voie du renouvellement. En effet, l'atout majeur de Le Monde ne suffit pas réside dans plusieurs judicieuses innovations qu'il va mettre en œuvre avec talent.

Ainsi le scénario se montre subtilement agencé dans ses péripéties et suffisamment inattendu pour réellement susciter l'intérêt, mais surtout il s'appuie sur une profondeur psychologique inusitée chez les adversaires du jour. Il en va de la sorte pour Renard, dont l'existence dans la pénombre d'un décès s'approchant inexorablement et la perte progressive des sensations nous valent quelques scènes réellement poignantes. Cette humanisation du méchant revêt une ampleur absolument inédite, d'autant qu'elle s'accompagne d'une passion amoureuse romantique (et mortifère) envers Électra.

Ce pari audacieux fonctionne totalement grâce à l'impeccable composition de Robert Carlyle. Cet acteur multi facettes (que l'on a pu retrouver dans le premier rôle de Stargate Universe !) apporte une singulière intensité à son personnage, notamment lors de scènes paroxystiques comme celle voyant Renard serein quand la mort s'en vient enfin le prendre. On aurait sans doute pu développer cette passionnante dimension de Renard, mais le film demeure un Bond et non un drame psychologique…

L'autre pendant de ce couple maudit, aux intonations parfois très shakespeariennes, Électra King (la bien prénommée), apporte également une vraie plus-value au film. Les facettes de sa psychologie très particulière, entre exaltation et rouerie machiavélique, constituent un véritable axe du scénario, avec un twist bien amené même si pas tout à fait imprévisible. L'intrigue pousse le raffinement jusqu'à invalider la thèse du Syndrome de Stockholm en campant Électra en authentique génie du mal, manipulant aussi bien Renard que M et 007. Le film crée ainsi une situation tout à fait nouvelle dans la saga, voyant une femme occuper la fonction de grand adversaire du jour, un choix des plus convaincants !

Comme spectateur un tantinet ancien, ayant suivi la carrière de notre Sophie Marceau nationale depuis ses débuts (There was something special in the air. Dreams are my reality, the only kind of real fantasy), on ne peut s'empêcher d'éprouver un certain scepticisme initial à l'idée de la voir interpréter un esprit diabolique.

Et pourtant… Sophie Marceau s'en sort très honorablement, offrant une prestation en tout cas bien plus convaincante que celle de Carole Bouquet dans Rien que pour vos yeux. Même si elle rate quelques scènes comme celle de l'avalanche (évoquant de plus la névrose de la malheureuse Camille Montes de Quantum of Solace), elle insuffle néanmoins avec conviction une vraie perversité à Miss King, sans compter qu'elle s'y montre séduisante en diable. 1999 reste un grand crû pour Sophie Marceau puisqu'elle s'illustra également au Festival de Cannes cette année-là, mais ceci ne nous concerne pas.

Autre innovation amusante intégrée dans le film : le choix des destinations et des paysages. Alors que d'habitude les 007 se manifestent par un dépaysement aussi cosmopolite que glamour, on peut considérer qu'il en va différemment ici avec ces pipelines et ces forêts de derricks s'étendant à perte de vue. Même Istanbul se voit peu exploitée, hormis le superbe site où réside Électra (la forteresse de la Tour de Léandre, remontant à 1100 et alors récemment rénovée). Ce choix surprenant peut décontenancer, mais cette austérité demeure en phase avec le drame décrit au cours du film. Un certain côté cartes postales n'aurait pas été en accord avec la noirceur extrême de cette histoire ; que le film se montre cohérent avec lui-même reste un gage de qualité.

Le petit monde de 007 connaît plusieurs bouleversements, à commencer par le départ de Q, figure historique de la saga et important facteur de sa popularité. Atteint par la limite d'âge, Desmond Llewelyn, présent depuis 1963 et Bons baisers de Russie, dernier témoin des débuts de la saga, se retire à 85 ans, avant de malheureusement décéder peu de temps plus tard dans un accident de voiture. Le comédien et son interprète ont droit à la scène d'adieux émouvante mais sans pathos qu'ils méritent, illustrant une dernière fois la complicité le liant à Bond malgré les bourrasques.

Pour le successeur du fabriquant d'armes mortelles le plus attachant de l'histoire du cinéma, le film a de plus une fabuleuse idée de casting, avec rien de moins que le grand John Cleese. Celui-ci, en quelques instants, impose pleinement son sens unique de la fantaisie qui nous vaut des scènes réellement hilarantes. Ce virage important de la saga se voit donc parfaitement négocié tandis que l'absence de R durant les deux premiers Craig demeure une énigme, non dénuée de scandale.

Le film n'hésite pas non plus à bouleverser la place occupée usuellement par M dans le schéma narratif par son implication active dans l'intrigue, mais aussi et surtout en développant l'idée que le personnage éprouve des sentiments et qu'il lui arrive de commettre des fautes. Un questionnement très fort du personnage (porté au paroxysme dans Skyfall) auquel Dame Judy Dench apporte toute sa subtilité et son expressivité de grande comédienne, élément qu'elle n'avait pu que mettre partiellement en œuvre jusqu'ici. Universal Exports connaît une multiplication des personnages, dont la délicieuse Molly Warmflash (toujours ces noms incroyables) interprétée par Séréna Scott-Thomas, sœur de Kristin.

Chacune de ces individualités sonne très juste, avec des dialogues finement ciselés et une excellente interprétation. Le personnage de Moneypenny s'améliore aussi quelque peu, sans toutefois il est vrai susciter encore l'enthousiasme. À noter que le QG écossais de la digne institution est situé au château d'Eilean Donan, bien connu des amateurs de Chapeau melon depuis le pilote des New Avengers, et qu'on peut y noter un superbe portrait du regretté Bernard Lee. On remarquera que le passage de la remise des ordres de mission semble impliquer l'existence d'un Double Zéro féminin, une grande première, là aussi.

Après GoldenEye, Valentin Zukovsky se voit également élevé au statut d'acteur à part entière de l'histoire, avec un Robbie Coltrane se régalant visiblement avec son fort gouleyant personnage. Il nous apporte un véritable festival de saillies humoristiques et cyniques, empêchant le film de tout de même sombrer dans la sinistrose. De quoi regretter vivement son décès, même si cette scène se révèle impeccablement écrite et filmée.

Malheureusement, cette kyrielle d'innovations demeure partielle, le film restant par ailleurs fidèle à certaines caractéristiques de l'ère Brosnan, et pas les plus enthousiasmantes.

Ainsi, malgré le bel effort d'écriture réalisé autour du couple maudit Renard / Électra, l'action pyrotechnique et à saveur de haute technologie reste un élément devenu par trop hégémonique dans l'équation de la saga. Cette surenchère perpétuelle alterne le pire et le meilleur tout en continuant à tirer 007 vers les blockbusters classiques. Le scénario, certes considérablement amélioré comparé à Demain ne meurt jamais, reste un simple liant entre ces moments se voulant épiques.

Parmi le pire, on comptabilisera la scène de ski, un poncif éculé de la série inutilement corsé avec des gadgets aériens, ou le traditionnel affrontement final. Trop segmenté et confiné, ce dernier ne provoque pas l'excitation coutumière en la circonstance, d'autant qu'il se situe après le paroxysme constitué par l'exécution d'Électra. Cet environnement en permanence technologique finit par saturer comme lors de la scène du gigantesque hologramme du visage de Renard. On se croirait avec l'État-Major de la Rébellion contemplant les plans de l'Étoile de la Mort, c'est ridicule.

La formidable introduction se verra par contre comptabilisée dans le meilleur, pour son hallucinante poursuite sur la Tamise. Les péripéties sont filmées et montées à la perfection, et le site en demeure bien évidemment unique. Ce n'est pas si souvent que les exploits de 007 se déroulent dans Londres, cette absence se voyant réparée ici par des vues somptueuses de grands monuments emblématiques. On apprécie également l'audace formelle de porter la durée de cette séquence pré-générique à près d'un quart d'heure, soit le record de la série (d'autant qu'elle nous permet d'admirer l'irréprochable plastique de Maria Grazia Cucinotta…).

Avec le Dôme du Millénaire, mais aussi le Musée Guggenheim récemment inauguré en 1997, elle confirme également la volonté de la période Brosnan de s'inscrire au plus près de l'air du temps, comme d'ailleurs la problématique des pipelines dans les nouvelles républiques de l'ex-URSS. L'idée n'apparaît pas négative en soi mais tant d'insistance finit par la faire tourner au procédé.

Le placement massif de produits s'impose encore et toujours corollaire de cette surenchère permanente du spectaculaire. On n'épiloguera pas tant ce festival paraît permanent, mais tout l'apparition purement gratuite (mais néanmoins rémunérée…) d'une carte de paiement international provoque la stupeur. Reconnaissons toutefois que la promotion de BMW s'effectue avec (un peu) plus de subtilité que la déferlante de Demain ne meurt jamais.

La dimension musicale de Le Monde ne suffit pas reste une vraie force, avec les très belles mélodies de David Arnold et la sublime chanson interprétée par Garbage accompagnant un générique une nouvelle fois des plus classieux. Toutefois, on s'installe ici aussi dans le procédé avec des images relevant visiblement de la même palette graphique que Demain ne meurt jamais et GoldenEye, ainsi que cette tendance à faire interpréter la chanson titre par des artistes particulièrement à la mode. Tout ceci sera parachevé par l'entrée en scène de Madonna (pour le franchement moyen) et d'Adèle (pour le meilleur), mais d'ores et déjà on souhaiterait plus d'inventivité.

Tout de même, un point amusant : dans son clip, Shirley Manson interpréta un robot assassin alors que quelques années plus tard elle incarnera un Terminator de classe aussi sexy qu'implacable et sadique dans Terminator, The Sarah Connor Chronicles (2008-2009). C'est ce qui s'appelle avoir de la suite dans les idées !

Brosnan, certes efficace et tranchant, participe aussi à cette mécanisation de Bond, virant toujours plus au surhumain et se glissant fort bien dans cette accumulation d'effets spéciaux et d'images de synthèse en tous genres. S'il ne dessert pas le film, on aurait tout de même goûté plus de composition et de créativité dans son jeu. Pour tout dire, on reste toujours très nostalgique de Timothy Dalton. Excellente idée toutefois que celle de la cravate resserrée sous l'eau ! (Une improvisation de l'acteur)

Toutefois, l'intérêt suscité par ce Bond reste à mille lieux de celui généré par sa partenaire du jour, la très improbable Dr. Christmas Jones, dont le prénom ressort comme la seule particularité saillante. Avec elle, le film en revient carrément à un fondement particulièrement obsolète de la saga : la Bimbo inutile mais aux formes des plus avantageuses. En effet, à part l'alibi factice de la physique nucléaire auquel personne ne croit un seul instant, l'apport de Christmas se limite pour l'essentiel à crier de façon toujours plus stridente et crispante d'innombrables « James ! James ! ». Un summum se voit atteint durant l'affrontement sous-marinier où l'on demande véritablement pitié.

Cet incroyable retour en arrière souffre en plus de l'apparence très similaire de Jones à l'héroïne de jeux vidéo alors en pleine gloire qu'est Lara Croft. Cette volonté de la période de coller à l'air du temps conduit décidément parfois à la faute. On en ressort désolé pour cette actrice sympathique qu'est Denise Richards (« victorieuse » aux Razzies à cette occasion) : elle a certes démontré bien d'autres qualités au cours de sa carrière (Sexcrimes, Starship Troopers, Scream…) mais elle ne peut ici rien accomplir face à un personnage aussi inepte.

À l'exception de GoldenEye, la période Brosnan conserve décidément la caractéristique d'intégrer des duos de Bond girls tout à fait dissymétriques dans leur intérêt, on en reparlera dans Meurs un autre jour.

Cette tentative maligne mais non totalement aboutie de relancer l'ère Brosnan que constitue Le Monde ne suffit pas connaît un grand succès, encore légèrement supérieur au film précédent (352 millions de dollars contre 347), avec une inflation budgétaire maintenue quoique ralentie (120 millions contre 110). En France, il totalisera 3 599 609 entrées, contre 3 435 210 pour Demain ne meurt jamais.

Grands moments de la Saga James Bond : Virée sur la Tamise

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4. MEURS UN AUTRE JOUR
(DIE ANOTHER DAY)

Scénario : Neal Purvis & Robert Wade
Réalisation : Lee Tamahori

- I know all about you: sex for dinner, death for breakfast.

Le 20 novembre 2002, le couple royal honorait de sa présence la première londonienne des nouvelles aventures de Batman, euh, de James Bond. Meurs un autre jour apparaît comme un moment particulier d'une saga dont il marque le quarantième anniversaire et le vingtième opus. L'occasion d'un nouveau départ ou la fin d'un cycle ? Il faut malheureusement se rendre à l'évidence, c'est bien la seconde option qui s'impose à l'issue du film. En effet, celui-ci va porter à leur paroxysme les défauts observés durant l'ère Brosnan, tant du point de vue de l'écriture que de la mise en scène.

Après les tentatives intéressantes de Le Monde de suffit pas visant à humaniser les personnages, on assiste ici à un spectaculaire retour en arrière. L'intrigue se résume à quelques éléments simplistes dignes d'un comics pour adolescents dont le seul motif consiste à amener les interminables scènes d'action pétaradantes ou gorgées d'images de synthèse qui constituent la véritable ossature du film.

L'intrigue résulte d'une rare indigence, avec 007 se battant contre les méchants à Cuba, à Londres, en Islande, et puis en Corée, avec des biais ultra simplistes pour raccrocher ces différents wagons à la locomotive que représente une surenchère en effets spéciaux évoquant effectivement les films de super héros. Une image symbolise le film, voyant 007 pulvériser le manuel de sa voiture au feu des mitrailleuses. Malheureusement il s'est trompé car il s'agissait du scénario du film, la boulette.

Sans doute eux-mêmes embarrassés par un scénario aussi étique, les auteurs tentent de biaiser. D'abord avec ce préambule carcéral en Corée (dont la seule raison d'être est de justifier implicitement l'absence du héros lors du 11 septembre) qui ne débouche sur à peu près rien. Après 14 mois de tabassages divers et variés, 007 se révèle immédiatement frais et dispos, toujours aussi affûté et doté d'un super pouvoir, celui de quasi cesser son rythme cardiaque. Un pas de plus vers Batman et consorts (tout invincible qu'il soit, Jack Bauer avait considérablement dégusté lors d'un séjour de deux ans dans les geôles des services secrets chinois). On s'amuse tout de même de sa barbe à la Robinson Crusoé et de la tonte de celle-ci, signifiant que « 007 is back », un truc absolument jamais employé dans d'autres films. Brosnan ne tente pas un instant d'insuffler un minimum de crédibilité à ce qu'a vécu son personnage. Il a raison : à quoi bon ?

Pour meubler, le film bénéficie d'un formidable effet d'aubaine grâce au quarantième anniversaire de la saga, et il ne va certes pas barguigner à en profiter. Meurs un autre jour apparaît ainsi bourré jusqu'à la gueule de clins d'œil divers et variés à de grands moments du passé.

C'est le cas lors de reconstitutions, comme l'apparition de Jinx à la Honey Rider ou de 007 filmé à un moment se présentant comme délicat à la Bons Baisers de Russie, ou du parachute aux couleurs de l'Union Jack similaire à celui de L'espion qui m'aimait, etc. Les exemples abondent également dans les dialogues, avec également un clin d'œil à la 20e montre de Bond entre autres.

On se serait réjoui de la simple découverte de la caverne d'Ali baba de R, effectivement très amusante, mais cette pratique, si facile, si consensuelle, se généralise trop et vire au procédé besogneux. Cela reste un indice de mauvais film car Quantum of Solace, avec plus de mesure certes, tentera pareillement de remplir son vide digne de l'Espace Profond.

Si seulement cette approche de BD d'aventures simpliste servait à développer de sublimes scènes d'action, mais dans ce domaine aussi l'échec du film se révèle patent. En effet, les combats signés par Lee Tamahori se signalent par un procédé unique, sans cesse répété, celui du « catalogue de la manufacture d'armes de Saint-Étienne ». Que cela soit sur les hovercrafts de Corée, le club d'escrime de Londres, ou les auto-tamponneuses sur glace d'Islande, blanc bonnet et bonnet blanc, on a pareillement droit au même spectacle : 007 ou son adversaire changeant d'armes à un rythme soutenu, toujours plus dans la surenchère à la manière d'un Tex Avery, l'humour en moins. Le tout se voit filmé de manière bien pompière, avec ces magnifiques moments d'humour involontaire que l'on aime à retrouver dans les nanars. Ainsi 007 regarde Zao par vison thermique, l'autre bondit dans sa propre voiture, et hop, branche lui aussi la vision thermique. Là on éclate de rire.

La mise en scène, toujours parfaitement ostentatoire, développe de plus quelques tics irritants, comme cet emploi incessant et abusif des ralentis et des zooms accélérés, à l'image des clips vidéos criards et dépourvus d'imagination. Mais outre l'omniprésence incroyable des gadgets, on passe le seuil de l'indigeste pour pénétrer dans le domaine du ridicule le plus achevé par l'abus des effets spéciaux et des images de synthèse.

Voiture invisible, armure énergétique, surf sur tsunami, bombardement orbital que ne désavouerait pas Palpatine : on ne se situe plus dans les James Bond mais bien dans les films de super héros, et pas n'importe lesquels : les plus simplistes et puérils sacrifiant tout au spectaculaire immédiat. On pourrait de même se demander pourquoi tout fond dans l'hôtel sauf les portes de la chambre de Jinx, ou quel est l'intérêt d'aller diriger les opérations depuis un avion civil, cible facile et dépourvue d'escadrille de protection, etc.

Si l'on accorde à Lee Tamahori d'avoir réussi de fort jolies vues de Cuba, autant en admirer d'encore plus belles dans le sublime Buena Vista Social Club qui vient de remporter un formidable succès en 1999. Toujours le suivisme… Il en va de même pour le générique très similaire aux précédents (incorporer des images de l'action n'apporte rien) et surtout pour la chanson de Madonna, dans le droit fil du choix de retenir des artistes optimisant les chances de succès au hit parade.

Hélas, le tube Die Another Day, aux sonorités électro des plus stridentes, apparaît bien moins convaincant que les titres antérieurs. Surtout, cela nous vaut une apparition totalement inutile de Madonna au beau milieu du film, se manifestant par des dialogues d'une étonnante ineptie. Elle se justifie sans doute en partie par l'ego de la star, mais aussi par volonté de promotionnel à tout crin. On rejoint ici le flamboiement intense du placement de produit, qui plus que jamais transforme l'ensemble du film en dépliant publicitaire à destination des gogos (ou supposés tels, apparemment). Le retour bienvenu d'une Aston Martin en lieu et place de la BMW ne change rien à l'affaire.

À part quelques gris-gris, que reste-t-il de l'identité britannique et de la personnalité de James Bond dans ce déferlement pyrotechnique ? Pas grand-chose et il ne faut pas compter sur Pierce Brosnan pour les défendre, lui qui accompagne à merveille cette mutation de 007 en héros standard de blockbuster dopé aux effets spéciaux, si ce n'est en version particulièrement immature de super héros de comics.

Ce Bond-là trouve son alter ego parfait en  la personne de Jinx. Celle-ci apparaît aussi déshumanisée et artificielle que son collègue anglais, tout en postures de bravaches et en emploi de gadgets détonnants. Halle Berry est aussi magnifique qu'athlétique, mais son talent d'actrice se limite ici à quelques expressions pesantes et rapidement irritantes à force de clichés. Son personnage n'est qu'une mécanique au service de la pléthore envahissante d'effets spéciaux, au même titre que Bond. La perte de substance comparativement à l'épatante Wai Lin / Michelle Yeoh saute aux yeux durant tout le film.

Fort heureusement les alliés de Bond semblent bien plus intéressants, avec une Judy Dench rehaussant toujours son M par l'éclat d'un jeu, lui, très sensible et humain. John Cleese continue à se régaler et à nous divertir avec son R passablement allumé. Même Moneypenny, à la conclusion du  film, a droit à sa première scène authentiquement amusante en compagnie de son vieux complice. Bond y apparaît en virtuel, une jolie conclusion pour Meurs un autre jour…

Charles Robinson se montre toujours aussi classieux (excellent Colin Salmon) tandis que le correspondant cubain de 007 se voit bien croqué. À l'évidence, Michael Madsen figure au générique pour cachetonner ; on ne lui en veut pas : pourquoi serait-il le seul à ne pas en croquer dans ce business juteux que constitue avant tout ce film ?

Il ne faut certes pas compter sur les adversaires du jour pour relever le niveau de Die Another Day tant ils relèvent eux-mêmes de l'esthétique et de la « philosophie » des super héros les plus basiques. Zao, « transformé après une expérience ayant mal tourné » relève à cet égard de la caricature, avec « une machine à rêves » digne du Nanarland. L'apport de Rick Yune au film se limite à ses muscles et à son maquillage ridicule. Le personnage ne développe aucun charisme ni rien de cette fantaisie mortifère faisant le charme des tueurs hors normes de jadis. Il en va pareillement pour l'imposant Mister Kill, dont le seul intérêt réside dans le nom.

On se prosterne devant l'inventivité sans cesse renouvelée des scénaristes puisque Moon n'est jamais que le troisième officier félon de l'époque Brosnan (sur 4 films). Après le Russe et le Chinois, voici le Nord-Coréen, finement joué ! Après un tour de passe-passe que l'on trouverait palpitant à l'époque de Rouletabille et de Fu Manchu, mais qui relève aujourd'hui de la grosse ficelle de scénariste en déroute, voici que surgit Mister Graves.

On est reconnaissant à l'habile Toby Stephens de ne pas ménager ses efforts pour animer et défendre son personnage, mais lui aussi se voit balayé par cette déferlante d'effets spéciaux et d'explosions en tous genres écrasant tout sur son passage. L'idée du méchant singeant James Bond était astucieuse, mais aurait nécessité plus d'écriture pour réellement fonctionner, et aussi de se situer à une époque où Bond était encore Bond…

La seule exception dans ce morne panorama demeure Miss Miranda Frost, réellement l'excellente surprise de Meurs un autre jour. Entre feu et glace, le personnage se révèle captivant à suivre, d'autant que l'éclatant talent de la sublime Rosamund Pike lui apporte une humanité, certes dévoyée, manquant cruellement à la très schématique Jinx. On se réjouit que cette comédienne ait connu le succès qu'elle mérite sur les planches du West End tant le film lui doit les rares moments où il pétille réellement. Elle bénéficie également de dialogues un peu plus tranchants que la moyenne, autre domaine où Die Another Day se montre bien inférieur à ses devanciers.

Ainsi s'achèvent les aventures de Pierce Brosnan dans les habits de 007 par un étalage vulgaire d'effets spéciaux et de scènes chocs tournées sans inventivité, le tout primant sans partage sur la psychologie des personnages et l'intérêt du scénario. On regrette que les auteurs ne soient pas allés jusqu'au bout du concept et n'aient pas fait combattre Bond au sabre laser. Un peu d'audace, que diable !

Die Another Day connaît un prodigieux succès, ce qui incidemment en dit long sur les goûts actuels du public et permet de comprendre l'amertume parfois exprimée ultérieurement par Brosnan. Avec un budget connaissant une forte croissance (142 millions de dollars contre 120 pour Le monde ne suffit pas), il atteint un box office alors record hors évolution monétaire pour la saga avec 425 millions de dollars contre seulement 352 précédemment. En France, il parvient à crever le plafond des 4 millions d'entrées avec  4 010 574 contre 3 559 609. On n'avait pas vu cela depuis On ne vit que deux fois.

Grands moments de la Saga James Bond : Sur les glaciers

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Crédits photo : Sony Pictures.

Captures réalisées par Estuaire44

 

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1) GoldenEye : Un Bond exceptionnel, l'un de mes préférés, si ce n'est mon préféré. Après la fade période Timothy Dalton, on retrouve tout le style, le spectacle, et la démesure de James Bond avec une intrigue passionante, rondement menée par le réalisateur Martin Campbell. On ne voit pas passer les 2h du film. Les Bond girls sont parmi les mieux écrites et interprétées de la saga. Pierce Brosnan est parfait et renoue avec le Bond suave de Roger Moore et ses dialogues pétillants, tout en gardant l'épaisseur humaine introduit par Timothy Dalton, un exercice d'équilibre particulièrement fragile qu'il exécute parfaitement. En seulement deux scènes et quelques dialogues, Judi Dench s'impose en nouveau M.

Pour l'action, ce film est une suite de moments d'anthologie tous plus électrisants les uns que les autres, avec en apogée la séquence du char à Saint-Pétersbourg. La musique d'Eric Serra est originale (on reviendra à des scores plus classiques ensuite), et je sais qu'elle a ses détracteurs, mais elle m'a particulièrement plu, elle participe au souffle de modernité, au bon sens du terme, qui dynamise l'ensemble du film. La chanson de Tina Turner s'insère parfaitement dans le canon bondien et on regrette que telle Shirley Bassey, la chanteuse ne soit pas revenue ensuite, tant elle est idéale pour l'univers Bond.

2) L'Espion qui m'aimait :  Musique, paysages, intrigue, action, tout est juste parfait dans ce film, que beaucoup d'entre nous identifient toujours comme le James Bond de référence car il en offre tous ses éléments et les poussent à son paroxysme.

3) Skyfall :  Le film est le reboot qu'aurait dû être Casino Royale, réintroduisant un à un tous les canons de la saga avec une nouvelle approche. Il n'est jamais trop tard ! Le triste réalisme à la Jason Bourne à la corbeille, place au style et au panache pour un retour aux fondamentaux ! Le film est la parfaite synthèse des époques précédentes et remet enfin la série sur les rails pour les années à venir :

- la formule originale installée et rodée par Sean Connery
- l'aspect pur divertissement complètement décomplexée de Roger Moore
- la justesse et la force émotionnelle des personnages de Timothy Dalton
- l'entrée dans une ère moderne de Pierce Brosnan

Après s'être reniée durant deux épisodes, toute l'équipe renoue avec gourmandise avec l'esprit et les gimmicks de la saga, jusqu'à l'ultime James Bond Will Return bien mis en avant juste avant le générique de fin. Visuellement, le film est une réussite totale, sans aucun doute le plus beau de la série. Le film est particulièrement créatif et astucieux, jouant avec les fans et multipliant les clins d'oeil (comme une référence au stylo explosif de GoldenEye !) nous menant vers une fin extraordinaire qui nous renvoie aux origines de la série. La boucle est bouclée !

4) Rien que pour vos yeux : Difficile de faire le moindre reproche à celui-ci. Roger Moore a vieilli, mais dans le bon sens. Il reste crédible dans les scènes d'action tout en apportant une vraie épaisseur à son personnage. Carole Bouquet apparaît certes étherée, mais traverse le film sans fausses notes. Toutes les scènes sous l'eau sont impressionnantes ; j'ai lu que Roger Moore et Carole Bouquet n'avaient jamais tourné sous l'eau suite à des problèmes de sinus de cette dernière. Plus de 30 ans après, on n'y voit toujours rien et le rendu final est impeccable. Techniquement et visuellement tout est splendide.

Toutes les locations sont parfaitement utilisées et intégrées à l'action au-delà du simple aspect carte postale, cet aspect est sans aucun doute un des gros points forts de la période Moore. La poursuite à skis reste pour moi une des séquences d'anthologie de la saga. Le final privilégiant l'intensité dramatique à des effets pyrotechniques qui devenait un peu répétitif et redondant dans les films précédents est un modèle du genre. J'aime aussi quand le film assume pleinement ses dimensions sérielles (séquence du début, retour du Général Gogol). Un sans fautes pour John Glen pour sa première réalisation pour la série, un très grand Bond qui amorce un nouveau tournant dans les années 80 tout en restant fidèle aux canons de la saga.

5) Octopussy :  Moi qui aime quand James Bond propose un ton décalé et s'oriente vers l'aventure avec fantaisie et style, je suis servi avec cet opus au ton très Avengers pour un James Bond plus ludique et pétillant d'inventivité que jamais. Le bon souvenir que j'avais gardé d'Octopussy ne s'est pas émoussé à cette nouvelle vision. Les séquences d'action sont spectaculaires, le final impressionant. Certes, le ton est définitivement à la bande dessinée, la violence est aseptisée et l'humour domine. Octopussy offre malgré tout quelques scènes glaçantes comme la mort de 009 ou l'exécution du Général Orlov.

Après l'adolescente Carole Bouquet dans Rien que pour vos yeux, la plus mûre Maud Adams offre une prestation plus consistante avec un personnage bien plus fascinant et complexe. Louis Jourdan n'atteint pas l'intensité de son compatriote Michael Lonsdale mais reste efficace. Roger Moore est plus que jamais à l'aise dans un film on ne peut plus Moorien et porte l'ensemble du film avec conviction et panache. Plastiquement, le film est superbe. Après Rien que pour vos yeux, John Glen offre un nouveau travail soigné, avec une fluidité parfaite du début à la fin. La musique de John Barry est excellente. Du bonheur, au même niveau que Rien que pour vos yeux et L'espion qui m'aimait pour moi.

6) On ne vit que deux fois : Cet opus amorce la transition de la saga entre espionnage et aventures, j'ai toujours préféré le deuxième style au premier, donc On ne vit que deux fois m'enthousiasme particulièrement. Beaucoup d'idées et de fantaisie, des scènes d'action exceptionnelles qui s'enchaînent, un Sean Connery toujours parfait, un régal du début à la fin.

7) Goldfinger :  Honor Blackman exceptionnelle nous laisse préfigurer de ce qu'auraient pu être des saisons supplémentaires de Chapeau melon et bottes de cuir avec elle. La Suisse apporte un vrai dépaysement, tous les éléments sont en marche et la mécanique devient parfaitement huilée, un incontournable.

8) Bons baisers de Russie : Un classique instantané, tout fonctionne parfaitement bien, et plus de 50 ans après l'ensemble n'a pas pris une ride.

9) Spectre : Spectre confirme que Skyfall n'était pas seulement une bonne surprise. La bonne voie prise d'embrasser complètement l'héritage de la saga et revenir à ses fondamentaux est bien une orientation durable. Spectre pousse encore plus le curseur vers le Bond classique que nous aimons tous. 

Cet opus multiplie les références à l'ensemble des épisodes précédents. Il est de loin le plus feuilletonnant de la série. Chacun est d'ailleurs invité à réviser ses classiques (notamment les périodes Connery et Craig) pour la bonne compréhension de l'intrigue, particulièrement riche et plus référentielle que jamais. Au niveau du casting, Daniel Craig est toujours impérial. Les Bond girls sont fantastiques : Léa Seydoux confirme que les actrices françaises tiennent toujours le haut du pavé dans ce rôle, Monica Bellucci étonne dans un rôle malheureusement trop court. Christopher Waltz est exceptionnel et s'impose parmi les grands méchants de la série. Le rôle plus développé de M dans cet opus permet à Ralph Fiennes de s'imposer également dans ce nouveau rôle. Q et Moneypenny bénéficient également d'une présence renforcée et bienvenue. Que ce soit dans les destinations, les scènes d'action ou les dialogues, ce Bond est presque autant un hommage aux grands moments de la saga qu'un nouveau film. On est dans le fan service permanent. Sam Mendes exécute parfaitement la partition Bond, on sent qu'il la maîtrise sur le bout des doigts. Il n'oublie pas d'y parsemer quelques surprises, notamment dans les dernières scènes du film. Visuellement, le film est une claque, et comme Skyfall avant lui, figure parmi les plus beaux de la série.

En résumé, on pourrait qualifier ce James Bond de James Bond d'épinal. On est dans l'anti-Casino Royale par excellence. Spectre est à la fois respectueux des classiques, mais suffisament inventif et ludique dans son déroulement pour nous captiver. Et ses quelques choix plus subversifs (notamment la fin) ne manqueront pas de surprendre. Hormis l'horrible chanson titre de Sam Smith (l'aspect visuel du générique est lui nettement plus réussi), c'est une excellente cuvée. Quant aux fins connaisseurs de la saga, ils se régaleront de bout en bout, tant ce James Bond parait avoir été fait pour eux.

10) Le Monde ne suffit pas :  Après le film d'action impersonnel Demain ne meurt jamais, il y a beaucoup de choses à aimer dans Le Monde ne suffit pas : le jusqu'auboutisme délirant et enivrant de ses scènes d'action, la musique de Dave Arnold qui rappelle le lyrisme des meilleures compositions de John Barry, la richesse et la complexité de ses personnages, la plus grande place donnée à M et le retour de Robbie Coltrane, tout cela emballé par une réalisation voluptueuse et élégante de Michael Apted et porté par un Pierce Brosnan impeccable de bout en bout. On notera aussi l'arrivée de R avec le délicieux John Cleese, on regrette qu'il ne soit apparu que dans seulement deux films. Sans atteindre les sommets de GoldenEye, un très bon cru donc.

11) Moonraker :  Beaucoup de points positifs : Lois Chiles plus crédible que Barbara Bach en femme d'action, Michael Lonsdale adversaire imposant, les locations exotiques et qui donnent lieu à de grandes scènes d'action, les décors de Ken Adam. On sent une volonté d'en mettre plein la vue au spectateur, et la partie dans l'espace décriée n'occupe que le dernier quart du film et a plutôt bien vieilli aujourd'hui. Pourtant, il ne m'a pas aussi enthousiasmé que L'espion qui m'aimait, la surenchère peut-être qui ne permet pas des scènes plus contemplatives ou décalées qu'offrait ce dernier. Il en reste un très solide divertissement.

12) Vivre et laisser mourir : Roger Moore s'impose facilement dans le rôle, la musique est exceptionnelle, l'ensemble est sans queue ni tête, mais pas de faiblesse au niveau du rythme, beaucoup de créativité et d'ambition, quelques ratés deci delà, mais on sent une envie de bien faire et d'offrir un divertissement rythmé et élégant, le pari est réussi.

13) Jamais plus jamais : Je l'ai revu juste après Opération Tonnerre et sans vouloir choquer les puristes, je l'ai trouvé bien meilleur. C'est ce qu'Opération Tonnerre aurait dû être avec des vrais moments de bravoure et des scènes aquatiques limitées au maximum et rondement menée. Sean Connery apparaît bien plus investi et motivé que dans Les diamants sont éternels, et hormis l'horrible musique de Michel Legrand ici pas du tout à son emploi, tout fonctionne parfaitement.

14) Meurs un autre jour : Quand Sir Roger Moore himself juge cet épisode un peu excessif, il y a de quoi s'inquiéter. Clairement, on a affaire au Moonraker / On ne vit que deux fois de l'ère Brosnan avec cet épisode ultra spectaculaire, mené à un rythme tambour battant et accumulant les moments de bravoure. Dans l'ensemble cela fonctionne plutôt bien malgré quelques effets qui ont (déjà) mal vieilli, notamment ces incessants ralentis / accélérés. La réalisation de Lee Tamahori est de bonne tenue avec son image pulp aux couleurs saturées entre Cuba et l'Islande. L'intrigue est solide et, malgré une trame plutôt classique, réserve suffisament de surprises et de rebondissements pour maintenir l'intérêt du spectateur.

Halle Berry n'est pas la plus insupportable des Bond girls américaines, c'est déjà beaucoup dire, Rosamund Pike apporte beaucoup de piquant au personnage de Miranda Frost, le plus intéressant du film. Pour sa dernière apparition, Pierce Brosnan fait un nouveau sans fautes, et on retrouve avec plaisir Judi Dench et John Cleese. La musique de Dave Arnold est encore une fois exceptionnelle et participe grandement à ancrer le film comme un vrai James Bond. À part un final qui souffre d'un excès d'effets spéciaux et de pyrotechnie sans grand intérêt, voilà un opus plutôt sympathique dans sa générosité donc, surtout quand on sait ce qui arrive avec le James Bond jésuite de Casino Royale.

15) Au service secret de sa majesté : Contrairement à son prédécésseur On ne vit que deux fois, on est dans un film d'atmosphère, mais cela fonctionne plutôt bien grâce á la beauté de la réalisation et les performances de Diana Rigg (qu'on aurait souhaité voir plus longtemps á l'écran) et Telly Savalas. Pour son seul et unique passage, George Lazenby s'en sort plutôt bien sans s'imposer clairement et regretter qu'un second film avec lui ait pu voir le jour.

16) Permis de tuer : Un ensemble haut de gamme et divertissant, bien emballé par John Glen qui s'affirme comme le réalisateur le plus constant de la saga. Mais si on peut saluer les ambitions de cette nouvelle direction, l'exécution n'est pas à la hauteur et on peine trop souvent à retrouver le charme et le plaisir inimitable d'un James Bond. Si cet opus corrige partiellement les faiblesses du précédent Tuer n'est pas jouer, il ne parvient donc toujours pas à atteindre le niveau des meilleurs épisodes de la saga.

La première partie fait plus penser à un banal film d'action, avec un summum dans l'anachronisme lors d'une vulgaire bagarre dans un bar. La deuxième partie avec le passage dans le casino puis l'arrivée de Q (qui aura une présence renforcée et bienvenue) s'améliore nettement et on retrouve le souffle et le panache des grands crus de la série pour aboutir à un final particulièrement spectaculaire. Comme dans l'opus précédent, le scénario est plus inventif et audacieux, mais l'erreur fondamentale du film est de mettre Felix Leiter, personnage passe partout qui n'était pas apparu dans la série depuis longtemps hormis Tuer n'est pas jouer en enjeu dramatique principal et moteur de l'intrigue. Un personnage avec un acteur récurrent installé comme M ou Q aurait permis au spectateur de s'investir réellement. Timothy Dalton, malgré ses qualités réelles d'acteur et sa crédibilité dans les scènes physiques, n'arrive toujours pas à instaurer de complicité avec le spectateur. Au final, je suis donc content que cette parenthèse Dalton se termine.

17) Demain ne meurt jamais : Après l'excellent GoldenEye, tout paraît trop routinier et vu et revu dans Demain ne meurt jamais. L'intrigue souffre de trop nombreux poncifs pour un Bond et le film se déroule sans aucune réelle surprise. On peut comprendre que les producteurs puissent penser que tout le monde n'ait pas vu On ne vit que deux fois ou L'espion qui m'aimait, mais cet épisode souffre d'un sentiment de déjà-vu trop prégnant dans son ensemble, on se demande même parfois si on assiste pas à un remake d'un ancien épisode de la série. C'est d'autant plus visible quand l'on revoit l'ensemble de la saga à la suite.

Dans les points positifs, on notera l'excellence de toutes les scènes d'action, dont une course poursuite à Saigon qui sans atteindre le char de Saint-Pétersbourg figure parmi les grands moments de la saga. Le sujet des médias abordé par le film est fascinant et Jonathan Pryce un méchant particulièrement développé et savoureux. Dans les points négatifs, hormis l'intrigue convenue, il y a les Bond girls : Teri Hatcher et Michelle Yeoh sont deux excellentes actrices, et qui se débrouillent plutôt bien ici, mais leurs personnages sont à peine esquissés et ne réussissent jamais à s'élever au delà des stéréotypes.

18) L'homme au pistolet d'or : Long, très long. Christopher Lee est très bon, le choix de la Thaïlande permet des scènes spectaculaires, mais l'ensemble manque d'audace. Les quelques scènes qui auraient pu donner un peu plus d'ampleur sont expédiés comme la voiture qui se transforme en avion ou le duel final. Correct, sans plus.

19) Dangereusement Vôtre :  La première partie est excellente, Patrick Macnee dans un Bond c'est déjà formidable, Patrick Macnee dans un Bond en France carrément jubilatoire. Toutes les scenes entre Roger Moore et Patrick Macnee sont un pur régal tant la complicité entre ces deux géants des séries cultes transparaît á l’écran. La scène de la mort de Patrick Macnee est particulièrement troublante, la séquence à cheval qui s’ensuit fonctionne parfaitement. Dés l’arrivée à San Francisco, les choses se gâtent, les longeurs s’accumulent, l’ennui vient même à s’installer par moments, un comble pour un Bond. Les Bond girls sont oubliables, et aujourd’hui oubliées. On en vient à regretter amèrement que Patrick Macnee n’ait pas été présent plus longtemps, la dynamique qu’il avait avec Moore était bien plus enthousiasmante que ces archétypes vus et revus sans intérêt. Comme le choix audacieux de M pour Skyfall, c’était peut être lui la vraie Bond girl du film !

J’apprécie l’envie de renouveler les scènes d’action entre chaque film, mais la séquence avec la voiture de pompier ne fonctionne pas tant l’alternance plans réels / sequence studio est visible, c’est également cet aspect qui ruine la séquence finale du film sur le Golden Gate Bridge tant les trucages paraissent évidents. Roger Moore vieillit, on a l’impression que depuis Moonraker, il prend 5 ans entre chaque film. Même si l’envie est toujours là et l’esprit Bond perdure, les scénaristes ratent le coche en ne prenant jamais cet aspect en compte dans le scénario, comme l’avait fait avec succès Jamais plus Jamais par exemple. Ces sequences de plus en plus spectaculaires ne prennent tout simplement plus du tout. J’aime le thème qu’a fait John Barry pour le film, mais on l’entend tout le temps, souvent à peine revisité. Plastiquement, le film reste superbe, sans se montrer aussi inventif et inspiré que les épisodes precedents. John Glen fait du bon boulot, et comme toujours tout l’aspect technique et visuel du film est soigné, mais on sent qu'il faut maintenant passer à autre chose et repenser la saga.

20) James Bond contre Dr No : C'est un peu comme revoir les premières saisons de Chapeau melon et bottes de cuir, les éléments du succès de la saga sont tous là, mais faute de moyens les ambitions sont limitées et l'ensemble manque de souffle. A toutefois la bonne idée d'être court et se laisse regarder sans déplaisir. Sean Connery s'impose immédiatement dans le rôle.

21) Opération Tonnerre : Les scènes aquatiques qui devaient être révolutionnaires á l'époque ont considérablement mal vieilli. L'on dénote aussi un certain manque d'action, et le final en accéléré n'a aucune crédibilité. Les critiques que j'ai lues sont souvent positives sur celui-ci, alors qu'il est vraiment surcoté pour moi. Seuls bons points: Luciana Paluzzi et Claudine Auger, deux excellentes Bond girls.

22) Tuer n'est pas jouer : Un Bond particulierement inégal, et beaucoup de longueurs durant les plus de 2h du film qui aurait gagné à être nettement raccourci. C'est un problème récurrent dans les Bond, mais ça se sent particulièrement dans cet opus. Avec son style brut de décoffrage, Timothy Dalton n'est pas mal mais ne s'impose pas aussi nettement qu'un Sean Connery ou qu'un Roger Moore dans le rôle. Il n'a pas leur charisme. Le ton général du film entre tradition et modernité manque d'unité. Il manque au film le style et l'élégance so british, tout paraît plus terre-à-terre.

L'intrigue riche en faux semblants et en rebondissements est plus travaillée que d'habitude pour un Bond, au risque de perdre parfois le spectateur. Hormis quelques répliques, on perd beaucoup en humour et également en exotisme avec des locations plus ternes que d'habitude. Les scènes d'action sont dans l'ensemble spectaculaires avec toujours quelques moments bondiens over the top qui font le charme unique de la saga. Maryam D'Abo fait également partie des points positifs du film avec une Bond girl qui prend pleinement part à l'action et rappelle la Tracy de Diana Rigg. Musique exceptionnelle de John Barry.

23) Quantum of Solace : Nous aurions souhaité que Casino Royale soit un lointain mauvais souvenir ; pas de chance, nous en avons la suite directe avec Quantum of Solace. Pourtant, le scénario est une bonne surprise, bien pensé et structuré, s'éloignant considérablement du faux réalisme de Casino Royale. Techniquement, le film est une réussite totale, la photographie est sublime, les décors sont inspirés, les effets spéciaux souvent habiles. Les moyens mis en oeuvre sont impressionants. Mais tous ces efforts se retrouvent ruinés par une mise en scène complètement inadaptée de Marc Forster. Son style de documentariste caméra au poing s'accomode horriblement mal avec la fluidité et l'élégance indispensables à un James Bond, on se prend parfois à refaire les cadres ou les plans tant on a du mal à comprendre ce sabotage permanent. L'exercice est quasiment sadique pour le spectateur qui entrevoit ici et là l'excellent film que Quantum of Solace aurait pu être.

À cette mise en scène baroque s'ajoute un montage épileptique complètement fou, absolument incompréhensible, qui ruine chaque scène d'action, une par une. C'est d'autant plus navrant que tous les ingrédients étaient réunis pour un solide divertissement bondien salutaire après l'ennuyeux Casino Royale. Un Sam Mendes ou un Martin Campbell aurait pu faire un des meilleurs épisodes de la saga. Niveau casting, Mathieu Amalric est clairement une erreur sévère, il apparait perdu entre deux films d'auteur. Les Bond girls rattrapent le coup avec une excellente cuvée, Gemma Arterton notamment. La musique de Dave Arnold est toujours impeccable, a contrario de la chanson titre, la plus nulle de la série, indigne du talent d'Alicia Keys. Un film assez bâtard donc, bourré de paradoxes, finalement assez frustrant, mais un poil meilleur que Casino Royale tout de même car parfois jouissif dans son jusqu'au-boutisme et son grand n'importe quoi assumé. "Bond, I need you back" dit M à la fin, nous aussi.

24) Casino Royale : Un Bond presque hors-série tant on a l'impression de voir un Jason Bourne, et pas un James Bond. L'intrigue, dénuée d'humour, particulièrement fumeuse et incompréhensible, accumule les séquences bizarres, parfois même gênantes, notamment dans son dernier tiers. Paradoxalement, le film se veut réaliste mais cumule les invraisemblances et le scénario part progressivement en roue libre. Les longueurs s'enchaînent, les rebondissements aussi, mais on ne comprend jamais les tenants et les aboutissants, les motivations des personnages, et surtout le rôle de Bond dans tout cela.

Plusieurs points positifs sauvent cet opus de la sortie de route : l'excellente réalisation de Martin Campbell qui fait regretter qu'il n'ait pas eu un scénario proche de GoldenEye, il apporte à une simple filature dans l'aéroport de Miami ou dans les rues de Venise une incroyable tension, et le peu de séquences d'action sont impeccablement troussées. Il faut aussi saluer un Daniel Craig qui réussit à mettre du liant et de la cohérence dans ce grand n'importe quoi, une vraie performance. Le reste du casting est de haut niveau, malheureusement gâché par des dialogues trop souvent plats et des personnages ineptes.

25) Les diamants sont éternels : Tout apparait je-m'en-foutiste dans celui-ci. Incompréhension totale devant le choix du Nevada, qui apporte des paysages soit arides et sans intérêt, soit bling-bling et putassiers dans Las Vegas - la richesse géographique des États-Unis proposait de bien meilleurs cadres - intrigue sans queue ni tête, deux tueurs ridicules et anachroniques qu'on croirait sortis de Easy Rider, personnages américains caricaturés au maximum et insupportables au possible, ensemble extrêmement mal vieilli... un sacré ratage.

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1. Tuer n'est pas Jouer (The Living Daylights) – 1987

2. Permis de tuer (Licence to Kill) – 1989

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1. TUER N'EST PAS JOUER
(THE LIVING DAYLIGHTS)

Scénario : Richard Maibaum & Michael G. Wilson
Réalisation : John Glen

- Whoever she was, I must have scared the living daylights out of her.

Le 27 juin 1987, Lady Diana et le Prince Charles présidaient à la première londonienne des nouvelles aventures de James Bond. À cette occasion allait se révéler le nouveau titulaire du rôle, ayant la lourde charge de succéder à Sir Roger Moore. Un véritable défi !

Tuer n'est pas jouer débute par l'une des meilleures séquences d'introduction de la saga. Le superbe site du Rocher de Gibraltar (et ses singes !) se voit admirablement utilisé et mis en scène au cours d'une scène d'action absolument trépidante. Le film s'amuse à différer quelque peu la découverte du nouveau Bond, tout comme jadis avec Lazenby mais aussi lors du retour de Sean Connery.

Un procédé toujours aussi efficace, d'autant que l'apparition de Timothy Dalton reste fort bien amenée. Le film met également ici toutes les chances de son côté pour séduire son public anglais, le Piñon demeurant certainement le plus prestigieux des ultimes confettis de l'Empire malgré les efforts réitérés de l'Espagne…

Ce lancement particulièrement relevé se relaie fort efficacement par la superbe musique de John Barry et de A-ha. Vendue à plus de deux millions d'exemplaires, ce titre demeure l'un des plus grands succès du groupe norvégien et une chanson emblématique de l'époque, quasiment au même titre que le A view to a kill des Duran Duran. Cet air particulièrement entraînant vient opportunément à la rescousse d'un générique aux images assez convenues et peu inspirées. Pour son ultime participation à la saga, John Barry nous offre par ailleurs une bande-son toujours aussi efficace.

Celle-ci s'orne également de deux titres des Pretenders (qu'écoute Nécros sur son walkman), un groupe particulièrement populaire auprès des fans de Chapeau Melon pour le très connoté clip de Don't get me wrong ! La violoncelliste Kara nous vaut également la présence de plusieurs sublimes morceaux de musique classique, Mozart, Dvorak, et Tchaïkovski venant encore enrichir la déjà superbe bande son.

L'intrigue du film se montre réellement passionnante, alliant un retour très réussi aux standards et à l'atmosphère des récits d'espionnage de la Guerre Froide à un complot finalement essentiellement crapuleux. L'histoire se montre ainsi très évocatrice de cette période d'agonie de l'affrontement des blocs marquée par le crépuscule des idéologies et le triomphe prochain de l'argent roi.

L'évocation (passablement romantique) de la guerre d'Afghanistan achève d'insérer agréablement le récit dans son temps alors que les éléments culturels délicieusement 80's se montrent plus rares que dans Dangereusement vôtre (à lire l'excellente BD de F'Murr Le char de l'État dérape sur le sentier de la guerre, se déroulant précisément en 1987).

Les auteurs ne confondent pas complexité et confusion, et cette histoire aux multiples rebondissements et au double jeu si typiques de l'espionnage s'exécute en une mécanique parfaitement huilée. Elle nous entraîne dans une passionnante balade autour du monde.

John Glen filme l'ensemble avec un vrai sens de l'image, exprimant parfaitement l'atmosphère des divers lieux visités même si l'on reconnaît aisément les panoramas et l'architecture du Maroc dans ce que l'on nous présente comme étant l'Afghanistan…

Le metteur en scène se montre vraiment particulièrement inspiré, avec un goût toujours marqué pour les scènes d'action toniques et rondement menées. Outre son époustouflante séquence initiale, Tuer n'est pas jouer accumule ainsi à plaisir les moments forts, tels le passage du pipeline, la poursuite sur les toits de Tanger, l'attaque du camp soviétique, ou le raid de Nécros sur une grande demeure anglaise ; la prestigieuse Stonor House, évoquant fort agréablement de nombreux décors des Avengers (pour l'anecdote, Tanger, nid d'espions, se voit également évoqué dans l'excellent Le point de mire). On y retrouve avec plaisir le perroquet de Rien que pour vos yeux, ces trop rares liaisons entre épisodes demeurant toujours aussi divertissantes. Un oiseau qui en savait trop ?

On apprécie également l'espace idéalement délimité imparti aux différents gadgets, astucieux et soutenant l'action sans la saturer ni la dénaturer. Après la longue parenthèse Lotus propre à la période Roger Moore, on renoue également fort plaisamment avec les Aston Martin, même si à vrai dire la nerveuse V8 Vantage Volante ne fera pas d'ombre à la légendaire DB5. La poursuite sur glace particulièrement mouvementée s'inscrit néanmoins parmi les moments les plus saillants de cette grande tradition bondienne, avec une technologie et des péripéties n'ayant rien à envier à Goldfinger. Encore et toujours l'on regrettera la surabondance de placements de marques, avec notamment un Q se fournissant avec une rare insistance auprès d'un grand groupe hollandais d'électronique…

Néanmoins, le succès du film allait bien entendu se jouer avant tout sur la prestation offerte par Timothy Dalton. Ce grand acteur de théâtre shakespearien, formé à la RADA, également aperçu dans des productions aussi diverses que l'académique Mary Stuart (1971) ou le kitschissime Flash Gordon (1980), accède au rôle après un processus passablement tourmenté.

Pierce Brosnan fut ainsi sérieusement envisagé, mais à son corps défendant demeure lié à l'éminemment sucré Remington Steele (1982-1987), tandis que les noms de bien d'autres acteurs, parfois hautement improbables, se voient également cités. Dalton parvient néanmoins à annihiler toute éventuelle étiquette de comédien de substitution par l'excellence de son interprétation.

Il introduit ici un James Bond en totale rupture avec des années Moore parfois aux confins du pastiche (il renoue d'ailleurs avec les cigarettes…). Celles-ci apparaissaient hautement réjouissantes et souvent passionnantes, mais la variété des incarnations participe pleinement à l'intérêt de 007, à l'image du Docteur. Grâce à la vraie richesse de son jeu, Dalton campe un Bond certes plus recentré que précédemment, mais également dépouillé de la dimension parfois surhumaine que véhiculait Sean Connery.

L'interprète, dont la jeunesse dynamise le film, insuffle une vraie originalité à un personnage plus sensible et anxieux, mais également davantage impliqué émotionnellement que ce que l'on a connu par ailleurs. Il reste sans soute le moins coureur et machiste des Bond, ce qui ne l'empêche pas de se montrer parfaitement convaincant dans les scènes d'action et de combat. De même, il apparaît toujours doté de dialogues divertissants. Gagner en humanité ne signifie pas que l'on édulcore le personnage, telle est la magistrale démonstration que nous délivre Dalton, sans soute le plus vraisemblable de tous les Bond. Une « troisième voie » réellement enthousiasmante. On ajoutera que le comédien arbore admirablement le smoking, ce qui ne gâte rien !

Ses alliés offrent, eux, un panorama des plus contrastés. Si M, décidément british jusqu'au bout des ongles, et davantage encore Q se montrent en grande forme (avec un atelier toujours plus en délire), on reste plus réservé quant à la version assez falote de Miss Moneypenny délivrée par la charmante Caroline Bliss.

Succéder à Lois Maxwell restait sans doute une gageure, même si pour pallier à cette difficulté les auteurs tentent de casser le modèle des rencontres dans l'antichambre de M en enchâssant curieusement Moneypenny dans la section Q. Ces scènes demeurent agréables mais bien moins pimentées que naguère. Sans doute aurait-il été préférable de ménager une vraie sortie à Lois Maxwell et d'incorporer un nouveau personnage, comme cela sera le cas ultérieurement pour Q (avant le retour de ce dernier sous les traits d'un autre acteur dans Skyfall).

Saunders développe un personnage crédible de correspondant local d'Universal Export, d'abord rebuté puis sympathisant avec son singulier partenaire. On ressent de fait plus d'émotion à sa disparition que lors des morts similaires d'innombrables sidekicks, preuve de la place occupée par le personnage. Á l'inverse, le film marque par contre un trou d'air bien malencontreux avec ce qui demeurera sans doute le Félix Leiter le plus insignifiant de la série ! Kamran Shah, interprété avec fougue par Art Malik, apporte la touche exotique et épique qui convient.

Mais c'est finalement Pouchkine qui compose l'allié le plus inattendu et réjouissant de Bond, avec un John Rhys-Davies aussi délectable qu'à l'accoutumée. Avec Indiana Jones et Le Seigneur des Anneaux, sans oublier Sliders, ce grand comédien de genre aura décidément connu une carrière à la hauteur de ses mérites ! Dommage qu'il ne s'agisse que d'un one shot.

Toutefois, c'est bien avec la relation sentimentale très intense l'unissant à l'irrésistible Kara Molovy que Bond développe sa nouvelle sensibilité. Cette liaison fusionnelle (et monogame !) apporte un vrai romantisme à l'histoire. D'autant que, si on peut trouver un peu kitsch les passages de Schönbrunn ou de la grande roue, le film évite toute emphase à ce sujet.

Les cartes postales musicales du Bond de Lazenby et de Tracy font de fait beaucoup plus « Harlequin ». Kara n'a pas bonne presse car on lui reproche souvent un aspect cruche et gaffeur jusqu'à l'irritation (ne pas confondre Kara et Tara, n'est-il pas…). Mais le film semble ici se positionner avec logique dans son optique de vraisemblance, certes relative.

Après tout, Kara est une jeune femme ne connaissant de la vie qu'un banal quotidien, uniquement illuminé par la musique et un amour illusoire. Qu'elle soit dépassée sinon déboussolée par sa brusque immersion dans un univers aussi violent et aventureux reste finalement… logique ! Bond lui-même le considère ainsi, lui pardonnant volontiers sa « trahison ». Les auteurs n'oublient pas non plus de la faire participer un minimum à l'action, à la différence d'une Honey Rider dont on nous rebat tant les oreilles par ailleurs. Le film a cependant la main un tantinet lourde là-dessus avec une Kara mettant hors de combat plusieurs soldats soviétiques. Pour un peu, Kara deviendrait Supergirl… Même si elle ne figure sans doute pas parmi les meilleures comédiennes de sa génération, la très belle Maryam d'Abo (cousine d'Olivia) défend son personnage avec un naturel et une conviction parfaitement communicatifs ! Le courant passe à l'évidence à la perfection avec Dalton.

La contrepartie de cette relation si profonde n'en demeure pas moins une pauvreté assez marquée du film en éléments féminins. On dénote tout de même de séduisantes naïades ainsi qu'une touriste vorace aux alentours de Gibraltar (le charme si particulier de l'apparent ennui des croisières) et des agentes de la CIA autrement pétillantes que leur patron. Mais l'apparition la plus étonnante reste celle de la compagne de Pouchkine, non seulement pour son spectaculaire déshabillé, mais aussi et surtout parce que Virginia Hey interprètera ultérieurement la fameuse Pa'u Zotoh Zhaan de Farscape (1999-2003) ! Bien entendu, les étonnants maquillages de cette série à part rendent l'identification pour le moins malaisée !

Ce Bond de haut vol que constitue The Living Daylights flirte longtemps avec le chef-d'œuvre, mais vient malheureusement achopper sur un élément d'appréciation essentiel : la personnalité des adversaires du jour. Si sa conspiration exhale un machiavélisme des plus stimulants, effectivement digne d'un stratège du KGB (minorant toutefois la variable 007, un classique depuis Kronsteen), Koskov dénote totalement par son aspect de valet de comédie, sinon de farce, dénué de charisme et d'éclat. Son personnage décalé paraît en contresens total avec le reste du film, et on lui préfèrera aisément les monstres froids de Bons baisers de Russie le roman.

Au moins bénéficie-t-il d'une savoureuse composition de Jeroen Krabbé, tandis que Joe Don Baker se contente de cabotiner de la pire des façons sur le personnage d'une insigne lourdeur que constitue Whitaker. Il se montrera d'ailleurs bien meilleur en Jack Wade. Les amateurs de Wargames et autres jeux d'Histoire pourront d'ailleurs légitimement se considérer au bord de l'insulte devant de tels poncifs ! Le grotesque affrontement final rompt d'ailleurs avec la bonne tenue du film, notamment dans l'emploi des gadgets high tech. De l'épate pour l'épate, il aurait mieux valu pour Koskov qu'il disparaisse en Afghanistan que de se faire cueillir comme un lapin !

On pourra objecter que le film innove en scindant le traditionnel adversaire colossal de Bond mais cela se révèle une fausse bonne idée, les deux complices ne générant rien d'autre que de convenu et ne disposant dès lors que d'un espace trop limité pour convenablement se développer. La nouveauté ne se justifie que par un réel apport, ici c'est tout le contraire qui survient.

Nécros, le traditionnel tueur hors normes, s'en tire nettement mieux que ses patrons, avec notamment une infiltration se révélant un modèle du genre. Andreas Wisniewski a une formation de danseur classique lui permettant d'apporter une vraie grâce létale aux combats de son personnage (ce qui rappellera quelque chose aux fans de Purdey !).

On regrettera, légèrement, que l'affrontement tant attendu avec Bond donne plutôt lieu à une impressionnante cascade qu'à un combat impeccablement scénarisé et chorégraphié comme on a pu en connaître par le passé. Mais telle quelle, la scène demeure parfaitement spectaculaire.

Une autre déception, certes mineure, occasionnée par le film, réside dans sa conclusion d'un burlesque évoquant celle du Casino Royale de 1967. Cette apparition abracadabrantesque de guerriers afghans tombe totalement à plat, dégageant un ridicule seulement partiellement dissipé par l'émouvante ultime apparition de Walter Gotell.

Heureusement, c'est sur un clin d'œil malicieux et romantique que le formidable Timothy Dalton prendra congé d'un public conquis et rêvant déjà d'une longue collaboration à la saga…

Ce très relevé Tuer n'est pas jouer va jusqu'à bénéficier d'une traduction d'un de ces titres ésotériques affectionnés par Fleming parfaitement exécutée et insérée dans le dialogue, une rareté. Pour l'anecdote, « to scare the living daylights out of someone » signifie « faire une de ces trouilles à quelqu'un » d'après notre ami le dictionnaire. La version retenue paraît nettement plus judicieuse !

The Living Daylights va connaître une très belle performance, puisqu'avec un budget similaire à Dangereusement vôtre (30 millions de dollars), il rencontre un succès nettement supérieur, 191,2 millions contre 152,4 auparavant. La France semble néanmoins plus rétive, avec 1 955 471 entrées contre 2 423 306 au préalable. Dalton pouvait envisager avec confiance sa seconde aventure dans le smoking de 007 !

Grands moments de la Saga James Bond : Passage aux douanes

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2. PERMIS DE TUER
(LICENCE TO KILL)

Scénario : Richard Maibaum & Michael G. Wilson
Réalisation : John Glen

- Remember, you're only President… for life !

Le 14 juillet 1989, le public londonien découvre ce qu'il ignore encore constituer l'ultime participation à la saga de Timothy Dalton.

Ce film survient sur les écrans précédé d'une réputation sulfureuse. En effet, du fait de sa violence, il apparaît comme le premier James Bond accompagné d'une limitation officielle de l'âge des spectateurs. Même si les niveaux en varient selon les pays (12 ans en France, 13 aux États-Unis, voire 15 en Grande Bretagne), celle-ci se généralise à la plupart des pays, ce qui illustre bien cette spécificité de Permis de tuer.

En effet, le film reste l'occasion d'un défilé cauchemardesque de scènes particulièrement dures : le supplice de Leiter, la mort de sa femme, le cadavre exhibé de Sharkey, l'exécution gore de Krest, les combats divers, le corps empalé de Heller sur un élévateur, et jusqu'à la propre mort flamboyante de Sanchez, entre autres. D'autres passages des plus agressifs existent dans les Bond précédents, mais à l'évidence ceux de celui-ci touchent particulièrement par leur crudité absolue. Et c'est bien là que réside l'un des intérêts majeurs de Licence to kill.

Cette volonté de réalisme s'inscrit dans le mouvement initié par Tuer n'est pas jouer, mais pousse désormais cette rupture jusqu'à des niveaux absolument inédits dans la série. Se développant en tous domaines, bien au-delà des seules scènes chocs, elle va offrir au public une vision innovante de James Bond, réellement passionnante à découvrir. Dans un ensemble parfaitement cohérent et dans le cadre d'une captivante histoire, le film va ainsi ouvrir de nouvelles fenêtres, souvent astucieuses, sur le personnage et son univers.

Au lieu d'un Bond solide comme le roc ou plaisamment décalé, nous découvrons ici un héros ténébreux en rupture de ban, dont le choc émotionnel et l'obsession de vengeance conduisent à la rébellion, mais surtout à commettre des erreurs chèrement payées par d'autres, soit une remise en cause de la statue du Commandeur absolument ébouriffante. 

Autre innovation, il finit par triompher grâce à une ruse opportuniste alors que le méchant du jour manifeste un sens de l'honneur (certes dévoyé) faisant rejaillir une geste moins sabre au clair que précédemment. Le récit renonce également aux fastueux voyages à travers la planète, dont le dépaysement participait grandement au succès des opus précédents. Cela au profit d'un simple saut de puce entre la Floride et l'Amérique latine où se cantonne l'action.

Les Bond girls (à des degrés divers) combattent aux côtés du héros autant, sinon plus, par intérêt bien compris que par l'attraction exercée par sa mâle présence. L'exacerbation du réalisme transgressif se produit avec l'amputation barbare de Felix Leiter, touchant directement ce pilier de la série pour la toute première fois. Une profanation renforcée par le retour de l'excellent David Hedison et crédibilisant l'ensemble du scénario, de même que l'incapacité de 007 à arriver à temps pour sauver son ami. L'impact s'en fera durablement sentir puisqu'il faudra désormais attendre le reboot de l'ère Craig pour revoir Leiter !

Cette profusion d'innovations sonne juste à chaque fois et permet de dépasser l'obstacle du suivisme que l'on pourrait reprocher à l'intrigue. En effet, dans un penchant souvent observé depuis le lancement de la série, le film se complait à épouser le goût du jour, en l'occurrence ces histoires policières liées au trafic de cocaïne sud-américaine, très populaires depuis le remake de Scarface (1983).

En particulier, Permis de tuer s'arrime à la série télévisée exprimant sans doute la quintessence du genre, le sublime Miami Vice (1984-1990), jusqu'à en conserver la situation géographique initiale et certains éléments esthétiques (ah, cette arrivée en hors-bord sous les néons du bar interlope dans la moiteur nocturne…). Mais là où, avec des succès très divers, la saga tentait de calquer des éléments exogènes à l'univers de 007, Licence to kill utilise cet apport comme moteur de la transgression du canon brillante et incisive qu'il entend mener à son terme.

La contradiction apparente et la difficulté de l'exercice résident dans le fait que ce vent nouveau doit revivifier la saga sans la dénaturer. Même en intégrant un réalisme accru et un profil psychologique complexifié, Bond se doit de demeurer Bond. Le film parvient à cet exploit en capitalisant sur l'élégance racée maintenue (comme dans la scène référentielle du casino), les dialogues percutants, un sens aigu du panache et du spectaculaire, un humour toujours aussi présent (notamment autour du personnage du Pr. Butcher et des attitudes de Pamela).

Les figures familières du petit monde de 007 apparaissent caractéristiques de cette persistance au sein de la nouveauté. Moneypenny retrouve l'antichambre proverbiale d'un M toujours aussi britannique mais n'a aucun contact avec 007 ! Q s'était déjà aventuré sur le terrain par le passé, mais jamais avec une telle implication dans l'action. Ce rôle inédit optimise de fait les frictions amicales si délectables avec 007 et permet à l'excellent Desmond Llewelyn de creuser son sillon pour le plus grand plaisir de ses innombrables fans. On conserve le meilleur de l'esprit de l'univers tout en renouvelant les postures. Très habile !

Cet audacieux procédé scénaristique se voit soutenu avec une exemplaire efficacité par un John Glen achevant au sommet de son art sa décennie Bondienne. Les morceaux de bravoure et les époustouflantes scènes d'action fleurissent de toutes parts, sur terre, sur mer et jusque dans l'air, jusqu'à l'éblouissant final des poids lourds, sans aucun doute l'un des passages les plus spectaculaires et enthousiasmants de toute la saga.

Voir 007 éviter un missile aux commandes d'un quinze tonnes suscite des sentiments ambivalents : cela demeure en contradiction avec la philosophie plus réaliste du film, mais la maestria s'impose avec tant d'éclat que l'on ne peut que s'incliner. Avec son habileté coutumière, le réalisateur met admirablement en valeur les divers paysages traversés, la qualité des prises de vues en compensant la moindre variété.

La séquence introduction rythmée (mais ici en phase directe avec l'action principale…) et le générique enchanteur (le dernier de Maurice Binder) répondent à l'appel, tandis que les chansons des grandes chanteuses de Soul et Rhythm and blues Gladys Night et Patti LaBelle situent ici également le film parmi les meilleurs Bond.

On apprécie de plus certains détails amusants comme le stratagème de la diffusion télévisuelle de l'information, situant l'action antérieurement à la déferlante de l'Internet, ou la scène de l'évasion se déroulant sur le célèbre Seven Mile Bridge des Keys de Floride. Ce site se verra réutilisé par la suite dans de nombreuses productions à succès dont True Lies (1994) ou 2 Fast 2 Furious (2003) parmi d'autres.

Par ailleurs, on goûte fort la vision d'une Amérique du Sud à la Général Tapioca, autant chargée de poncifs mais autrement chamarrée et divertissante que celle perpétrée ultérieurement par Quantum of Solace. L'ensemble de Licencia para matar se déroule d'ailleurs au sein d'une Hispanidad parfaitement croustillante, avec de superbes vues de Mexico et d'Acapulco, ainsi que de nombreuses expressions idiomatiques que l'amateur de la langue de Cervantes découvrira d'ailleurs parfois assez vertes ! L'ensemble ressort sans prétention mais apporte un cachet bien réel  au film.

Toutefois, la grande chance de cet opus hors normes reste d'avoir trouvé en Timothy Dalton l'interprète idoine pour incarner ce ténébreux Bond en rupture de ban, obsédé par la vengeance jusqu'au nihilisme, avant de connaître le doute devant les conséquences de son action. Il parvient à rendre émotionnellement forte la rencontre avec les policiers de Hong-Kong, pourtant assez dense en poncifs variés. Les différents états d'âme du héros, particulièrement contrastés tout au long du récit, se voient admirablement exprimés par ce comédien à la fois subtil et puissant.

Là où les autres interprètes de Bond jouent admirablement de leur charisme et de leur personnalité, Dalton déploie tout un art du jeu. Cela saute particulièrement aux yeux durant ce film bâti sur le thème de la vendetta personnelle, comparativement à Quantum of Solace. Là où Craig subjugue par sa présence physique et son ascendance, Dalton développe toute la palette d'un authentique acteur de composition. Tout en appréciant la prestation du premier, on avouera une préférence pour le second… Conférée par son interprète, cette humanité de Bond tant dans ses côtés obscurs que lumineux le rapproche nettement des romans de Fleming, dans la droite ligne de Tuer n'est pas jouer.

Contrairement à ce dernier film, il ne manque pas à Licence to kill un adversaire de classe supérieure pour parachever son succès. Sanchez bénéficie d'une stature exceptionnelle par son tempérament dominateur non dénué de paranoïa, mais aussi par le numéro époustouflant de Robert Davi ; grand spécialiste des rôles de leaders durs et charismatiques comme l'inoubliable Malone de Profiler (1996-2000). Lui aussi défend à merveille son personnage, plus complexe qu'à l'ordinaire, à l'image de Bond, par sa conviction sincère dans l'importance de l'honneur et la parole donnée. Il tire l'ensemble du film vers le haut jusqu'à lui apporter une dimension de drame psychologique évoquant parfois Shakespeare, domaine où Timothy Dalton peut dès lors développer à merveille sa propre partition. Le duel particulièrement relevé des deux antagonistes et de leurs interprètes électrise l'ensemble du récit.

Après le duo d'esprits maléfiques de The Living Daylights, les auteurs continuent à transgresser le rituel établi depuis Goldfinger en agrégeant en Sanchez à la fois le génie du mal et le tueur hors normes, avec cette fois un complet succès. En effet, Sanchez ne manque certes pas de spadassins, mais aucun ne fait réellement de l'ombre sur ce point, même s'ils ne sont dépourvus ni de personnalité ni d'intelligence.

Le film dépasse ici aussi les caricatures proverbiales des sous-fifres à l'incroyable inefficacité. Aux côtés de Davi, on s'amuse à reconnaître diverses figures de séries télé comme Anthony Zerbe, Don Stroud ou Everett McGill (Twin Peaks !), mais le comédien le plus marquant demeure bien entendu Benicio del Toro, à l'orée d'une fastueuse carrière. Clin d'œil du destin, c'est un rôle de policier luttant contre le fléau de la drogue qui lui vaudra un Oscar, avec Trafic (2000). L'ensemble de l'opposition fournit un groupe varié et distrayant auquel on agrègera les personnages hauts en couleur du Président Lopez (interprété par le fils du regretté Pedro Armendariz) et du Pr. Butcher, tous deux de véritables poèmes.

On exprimera quelques réserves concernant le personnage de Pam Bouvier car son caractère de baroudeuse mâtiné de sentimentalisme roucoulant paraît assez contradictoire. Toutefois, le naturel de Pam nous vaut plusieurs scènes très amusantes (le cocktail, complicité avec Q, final de la piscine…), et l'on comprend sans peine que l'actrice soit l'une des rares Bond girls a avoir pleinement réussi la suite de sa carrière, notamment par l'éminemment soporifique Law & Order (de 1996 à 2001).

On préfèrera nettement la brune Lupe Lamora, à laquelle le rouge le plus ardent convient si bien. Plus encore que son initialement vénale consœur, elle exprime parfaitement le caractère particulièrement indépendant des femmes de Permis de tuer, agissant dans leur propre intérêt et ne subissant que bien partiellement une attirance pour 007. La voir se remettre si facilement du rejet du héros reste un moment rare. On regrette que la magnifique Talisa Soto n'ait guère connu par la suite de rôles saillants, hormis celui de l'improbable Princesse Kitana dans le nanar vociférant Mortal Kombat (1995). Le film innove joliment une nouvelle fois en instituant un duo de Bond girls quasi équivalentes dans le déroulement de l'action, chacune apportant à sa manière une aide cruciale à un 007 moins macho que de coutume, et aucune d'entre elles ne se faisant tuer !

En dernier ressort, Licence to kill représente un exercice de style audacieux et magistralement exécuté, à l'image de ces épisodes décalés comptant souvent parmi les meilleurs moments d'excellentes séries télé. Il rénove et humanise James Bond tout en demeurant fidèle à ses aspects les plus fondateurs et enthousiasmants. Ce pari remporté haut la main constitue malheureusement la dernière apparition de Timothy Dalton sous le smoking de 007, acteur dont le seul véritable regret qu'il nous laissera réside dans la brièveté de sa participation à la saga. Des démêlés juridiques peu captivants entraîneront un délai d'attente de six ans jusqu'à Goldeneye et le comédien se jugera alors trop âgé pour reprendre le rôle, ayant peut-être l'exemple de Roger Moore en tête. Il campera pourtant une version parfaitement convaincante d'un Bond passé du côté obscur de la force dans Rocketeer (1991), avant de se montrer toujours resplendissant d'énergie dans un épisode de Doctor Who (The End of Time, 2009). De quoi aviver la déception, même s'il faut s'incliner devant l'honnêteté de son choix.

Le film marque aussi les adieux du scénariste tutélaire de la saga : Richard Maibaum devait en effet nous quitter l'année suivante, après avoir brillamment réussi sa sortie par ce script d'une intensité toute particulière. C'est donc logiquement que la saga va vouloir préserver une sorte de tradition en conservant les services de son complice, Michael G. Wilson, avant de trouver un nouveau duo d'auteurs avec Le monde ne suffit pas.

Contrairement à ce qui est souvent avancé, Permis de tuer fonctionne correctement dans le monde entier, ne subissant une très relative déconvenue qu'aux États-Unis. Il réalise une performance des plus correctes malgré des problèmes annexes comme les interdictions liées à l'âge, un marketing assez déconnecté de sa nature profonde, et la concurrence de nombreux blockbusters cet été-là, dont Indiana Jones et la dernière croisade avec un certain Sean Connery. Par la suite, les 007 ne furent d'ailleurs plus sortis qu'en automne ou en hiver…

Alors que l'investissement marque un accroissement comparé à Tuer n'est pas jouer, avec 40 millions de dollars contre 30, Permis de tuer ne récolte « que » 156,2 millions contre 191,2 précédemment. Même si la décrue est réelle, l'on se situe néanmoins très loin d'un four ! D'autant qu'en France le film progresse en nombre d'entrées, passant de 1 955 471 à 2 093 006.

Le moment était (enfin !) venu pour Pierce Brosnan d'entrer en scène, avec un retour aux valeurs les plus éprouvées. L'évolution de la série ne s'effectuera plus par les concepts mais par les masses budgétaires…

Grands moments de la Saga James Bond : Poids lourds

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Crédits photo : Sony Pictures.

Captures réalisées par Estuaire44